Содержание

«Театральные художники – люди, которые не наигрались» — Реальное время

К 70-летию главного художника театра Камала в Казани открылась выставка его работ «Пролог»

Фото: Дмитрий Резнов

Фойе Камаловского театра теперь напоминает одновременно вернисаж и мастерскую декоратора — с середины апреля здесь работает выставка «Пролог». Она приурочена к 70-летию народного художника Татарстана и главного художника театра Сергея Скоморохова. Юбиляр, в свою очередь, «подтянул» к выставке своих выпускников и студентов, с которыми занимается в Казанском художественном училище имени Николая Фешина. Выставка продлится до 10 мая, для «Реального времени» мастер провел персональную экскурсию.

Начало — просто ужас!

Сергей Скоморохов вспоминает, что с момента предыдущей персональной выставки в Казани, которая прошла в национальной галерее «Хазинэ», прошло 8 лет. Тогда количество его театральных работ приближалось к 260. Теперь их примерно на 40 больше, а если сложить все театральные работы семьи Скомороховых — отца художника, его самого, сыновей и невестки, то и все 500 будут. Если макеты декораций хранить сложно, то эскизы остаются, правда, примерно половина от поставленных спектаклей. Художник прекрасно помнит свою первую театральную работу, которая положила начало его творчеству и одновременно стала личной трагедией:

— Название первого спектакля было «Просто ужас» — сказка такая в драматическом театре Комсомольска-на-Амуре была. Я туда приехал в 1975 году на производственную практику из Москвы, к своему папе. Он тогда получил инфаркт, поработали мы вместе всего три месяца. В день сдачи спектакля папа умер. Следующий спектакль назывался «Д’Артаньян и три мушкетера», и это стало как бы новым началом, — рассказал Сергей Геннадьевич.

На первом плане — ткацкие станки, дорога вдоль них уходит вглубь сцены, где вдалеке — горы снега

Спектакль, который еще не видели

20 лет Сергей Скоморохов мечтал оформить спектакль по роману Махмута Галяу «Мухаджиры» о судьбе татар-эмигрантов в Турции. Теперь мечта его близка к воплощению — в новом сезоне в театре Камала состоится премьера пьесы, над которой работает главный режиссер театра Фарид Бикчантаев. Уже идут репетиции, отшиваются костюмы, а главное для художника — изготавливаются декорации. Первый макет, который встречает гостя на выставке, — как раз будущее место действия новой постановки, которую зрителю только предстоит увидеть. На первом плане — ткацкие станки, дорога вдоль них уходит вглубь сцены, где вдалеке — горы снега. Именно оттуда идет действие — люди носят землю, рассыпая ее на дороге, пашут ее, трудятся бесконечно, чтобы снова уйти далеко в снег.

— Это хороший, очень «зримый» роман, который мы стараемся адаптировать для нашей сцены, убрав всякую красивость. В Турции я работал, видел эту землю — татарскую деревню переселенцев, и знаю, что сами турки очень легко и хорошо восприняли татарскую культуру. Они вообще считают, что татарский язык — это древнетурецкий. Пространство сцены мы открываем до самой глубины, и персонажи приходят на авансцену как воспоминания. Станки регулируют пространство — они то выдвигаются, сужая пространство, то уходят, открывая картину полностью. Наверху — навесной мост, одновременно выступающий палубой корабля, там будут разворачиваться наиболее трагические события.

Над костюмами к спектаклю работает ученица художника — Марина Марьянич. Сейчас она учится в КХУ, но уже имеет образование художника-модельера.

Классику на сцене воплощают четыре огромные фигуры — две дамы и два кавалера

Технологичная дель арте

Следующий макет — декорации к постановке 2021 года «Изобретательная влюбленная» Лопе де Вега. В феврале пьесу поставил в арт-резиденции «Созвездие-Йолдызлык» Александр Туманов. Классику на сцене воплощают четыре огромные фигуры — две дамы и два кавалера. Кроме декоративного, они имеют функциональное значение — фигуры могут служить и беседкой для влюбленных, и балконом для признаний, и просто ширмой для романтичных делишек:

— Очень интересно мне было работать с молодыми — новые лица и актеры. Разыгрывая комедию дель арте, режиссер максимально приближает ее к сегодняшнему зрителю. Следовательно, и декорации должны быть соответствующие — мобильные и технологичные. Так, все фигуры — разборные, их вполне можно вывозить и в районы Татарстана, и дальше. Важную роль играет плазменная панель на заднике — игра света имеет большое значение. Однако если в сельском доме культуры такой панели нет, пойдет и обычный киноэкран. Хотя и панель можно брать с собой на гастроли, все вполне легко монтируется, — поделился художник.

Почему возмущался завпост Малого театра

Еще одно интересное решение — зеркальная стена для спектакля «Вот так случилось» («Шулай булды шул») Туфана Миннуллина. Стена, стоящая по диагонали, — единственное, что видит зритель на сцене. Актеры играют за кулисами, там же располагаются и остальные декорации — деревенская улица. Зритель видит только отражение и… собственные лица.

— Мы возили спектакль в Москву, в Малом театре показывали. В день показа монтируем. Мимо нервно ходит заведующий художественно-постановочной частью театра: «Да вы когда намерены декорации ставить?! Сейчас спектакль начнется!» Мы в ответ: «Да все уже готово!» Он долго не мог понять, в чем секрет. Это ведь тоже история воспоминания. Изображение на зеркале появляется, только когда включается свет. Только потом актеры выходят на сцену. Такова структура пьесы — сделать выход воспоминаний живым, чтобы они приходили не из ниоткуда, а появлялись постепенно, тихо, как тени. Кстати, это зеркало еще двигалось, раздвигалось — так появлялась связь прошлого с настоящим, — вспоминает Сергей Скоморохов.

Стена, стоящая по диагонали, — единственное, что видит зритель на сцене

«Латиноамериканцам идею объяснять не пришлось»

Другой знаковый для художника спектакль — «Жизнь есть сон» Педро Кальдероне. Сергей Скоморохов работал над ним вместе со своим другом, колумбийским режиссером Алехандро Гонсалесом Пуче в 2008 году. Отталкиваясь от традиции испанского театра барокко, где действие происходит в большой сфере, которая, опускаясь на сцену, раскрывается, в центр сцены решено было поместить осколки этого круга, полусферу:

— Осколки гигантского шара, по которым бегают актеры, — металлические станки. По ним очень трудно карабкаться. Сам главный герой Сигизмунд находится на цепи. Видно, что герой в тюрьме, свет он видит только из глубины сцены, а все жизненные изображения воспринимает только через круглое зеркало, расположенное перед ним в полу. Когда выпустили этот спектакль, его пригласили на фестиваль в Боготу. Понятно, что это дорого, но нашим условием было — обязательно везти эти декорации с собой. Кстати, я там прочел ряд мастер-классов по сценографии Чехова для латиноамериканских коллег. Так вот, спектакль пошел на ура — им объяснять в сценографии ничего не нужно было, все — в их традициях.

В центр сцены решено было поместить осколки этого круга, полусферу

Четвертый «Дядя Ваня»

Говоря о русском классике, Сергей Скоморохов не без удовольствия говорит, что ему в профессиональном отношении очень повезло — «Дядю Ваню» он ставил четыре раза: в Комсомольске-на-Амуре, Казани, Хабаровске и Йошкар-Оле. Эскиз именно с этой постановки представлен и на выставке.

— Вновь и вновь обращаясь к материалу, начинаешь глубже его изучать, и это очень интересно. Мне удалось найти такой занятный ход — показать течение времени. Весь спектакль идет в тишине — сцена покрыта войлоком, шаги не слышны, единственная часть — у самого края, на оркестровке — покрыта керамзитом, лежащем на фанере. Именно сюда неожиданно ступает Астров для своего монолога. Шум, грохот — зритель вздрагивает. Еще интересный момент я нашел здесь у Чехова — в «Дяде Ване» он закладывает цветовую партитуру спектакля. Цветовые фрагменты появляются поэтапно, как жизнь в глухой усадьбе (это ведь только стереотип, что у Чехова все герои бесцветны или монохромны) — это краски Астрова. Расцветив пространство вокруг себя, в одной из последних сцен он разом сгребает все баночки с гуашью в свой чемодан, оставляя героине только красный карандаш. На этом цвет в спектакле закончился, — говорит художник.

Собственно, вся чеховская палитра и видна в центральном «здании» усадьбы на эскизе — полуобрушившихся колоннах и звездном небе. Так «Будем жить», надеются оставшиеся в действии герои.

Как в Камаловском затопили сцену

Особые отношения связывали художника с Марселем Салимжановым. Это видно сразу по двум эскизам декораций. Первый — «Баскетболист». Это был шаг к новому, многозначному, интересному театру: на сцене шел дождь, ходили странные актеры, жизнь показана времен перестройки — люди пытались взлететь, но их все равно прибивало дождем к земле. Однако мечта все же оставалась — подняться к небу, к лучшей жизни. Второй — «Черная бурка», которую Скоморохов назвал спектаклем-передачей эстафеты уходящим режиссером Салимжановым новому художественному руководителю Фариду Бикчантаеву:

— Марсель Хакимович пригласил меня в театр в 1994 году, и спектакль «Баскетболист» — наша первая совместная работа и одновременно его последняя постановка. Это был новый этап в его режиссуре, который до конца мы, к сожалению, не увидели. Чтобы затопить сцену водой, мы постелили специальный резиновый ковер с водоотводниками. Сверху были трубы с дырочками, сквозь которые подавали воду. «Черную бурку» мы начинали делать, когда Марсель Салимжанов был уже в больнице. Когда его не стало, она была передана буквально из рук в руки Фариду Рафкатовичу. Мы ее переосмыслили и воплотили. Так что этот спектакль дорог мне вдвойне.

Рожь из арматуры и рябиновая кровь

Много диковинок можно увидеть на «Прологе». Это и камыш из арматуры для спектакля «Угасшие звезды». К слову, с болью и любовью Сергей Скоморохов говорит об этой постановке, ведь сегодня она звучит с особой остротой:

— Герои уходят в рожь, которая неизменно остается на сцене все действие. Уходят, чтобы не вернуться. Важна игра света, который как самостоятельно действующий герой. Так, страшная гроза потрясает зрителя, возвещая о начале войны, ведь возвращаются только тени погибших солдат. Еще, помимо сухостоя, и гроздья рябины — маленькие мячики. Как капли крови, они со стуком падают на сцену и растекаются по ней. Спектакль, помню, мы ставили в Турции, но здесь, в Казани, все яркие краски, всю веселость и даже яркие традиционные татарские узоры с костюмов мы решили убрать.

Мастера шить «верхонки»

Стоит отметить, что костюмы — особая гордость художника. К «Ходже Насреддину» они отшивались изнанкой вместо лицевой стороны — чтобы приглушить тона одежды бедняков. Вспомнил Сергей Скоморохов и свою последнюю работу с режиссером Ефимом Табачниковым «Убийство Гонзаго». Дело было в 1993 году. Мало того, что пьеса сложнейшая — о взаимоотношении людей культуры и власти, так еще и времена были не дай Боже:

— Отдали мы отшивать костюмы на фабрику, которая шила «верхонки» — варежки для заключенных из брезента. Когда они сдали работу — мы просто упали. Режиссер дал мне ночь на исправление — что хочешь, то и делай, но чтобы костюмы были. Нужно отметить, что и краски тогда были в дефиците, только черная и серебристая у меня были. Я нарисовал на костюмах трещины, как на фарфоре — так они гармонично влились в декорации, которые представляли собой странное, разбитое пространство, словно между небом и землей, замороженные горы. Вот это и есть реальная работа художника.

Нaute couture по-турецки

Другая история произошла в Анкаре. Там костюм отшивается совершенно по-иному — прямо на модели подгоняется, как это делается в haute couture. Художник же приехал со своими выкройками, лекалами. Турки отказались шить: «Мы так не работаем!» Просто положили кумач на стол, дали художнику ножницы и сказали: «Покажи». Потом ему принесли иголки-булавки, с помощью которых он собрал платье, после чего сказали: «Тамам», — все, мол, понятно.

— Мне нравится работать с костюмами, но это всегда занимает много времени. Я стремлюсь найти художника по костюмам, во всяком случае сейчас, потому что это становится отдельной профессией, — уверен Сергей Скоморохов.

Кто нарисует театр будущего

Глядя на макеты, своеобразные мини-сцены, на которых расставлены все детали мизансцены, создается впечатление, что театральные художники — люди, которые в детстве не наигрались в игрушки. Художник это подтверждает: «Так и есть! Смотрю сейчас на сына с невесткой, которые то ли работают, то ли в куклы играют. Добавлю, что они тоже театральные художники и занимаются своей профессией, но теперь уже с внучкой — та очень живо подтягивается к нашему ремеслу». Нужно отметить, что и один из сыновей и его супруга тоже выбрали профессию театральных художников. Второй сын Сергея Геннадьевича стал художником-графиком.

С не меньшей любовью Сергей Скоморохов говорит о своих учениках — о каждом есть доброе слово. Работы ребят, представленные на выставке, он описывает так же подробно, как и свои, не забывая упомянуть, что все выпускники продолжают учебу в столичных вузах, а нынешние студенты подают большие надежды. 10 выпускников Казанского художественного училища и 14 учеников, которые только начали осваивать профессию театрального художника, можно сказать, не посрамили учителя своими работами. Собственно, отчасти и поэтому выставка называется «Пролог» — не только макет декораций как начало спектакля, но и новое поколение, за которым — театр будущего.

Анна Тарлецкая, фото: Дмитрий Резнов

ОбществоКультура Татарстан Татарский государственный Академический театр имени Галиасгара Камала

ᐅ Услуги художника в Нижнем Новгороде

Художник-дизайнер — это профессия, которая пользуется сегодня повышенным спросом. Именно услуги художника-дизайнера помогают делать жизнь вокруг красивой и привлекательной. Несмотря на то, что цены на услуги такого специалиста могут быть порой очень высоки, никому не хочется на них экономить.

Такое понятие как «дизайнер» используется практически в любой сфере деятельности человека, поэтому такая профессия представлена в большом разнообразии видов. Это:

  • веб-дизайнер;
  • ландшафтный дизайнер;
  • дизайнер интерьеров;
  • фитодизайнер и так далее.

Разработка дизайна требует от специалиста умения профессионально создавать эскизы и иллюстрации, а также быть художником в душе. В Нижнем Новгороде, как и в других городах, можно найти немало специалистов, которых можно нанять недорого для выполнения самых разных работ, но к выбору дизайнера следует подходить очень ответственно. Поэтому поиск такого специалиста в Нижнем Новгороде нельзя назвать простым делом.

Какими качествами должен обладать художник

Человек, предлагающий услуги по разработке дизайна, должен:

  • уметь слушать клиента;
  • быть коммуникабельным;
  • быть креативным;
  • уметь генерировать идеи, выражая свое видение в рисунках, эскизах и иллюстрациях.

Профессиональный дизайнер может работать не только в офисе, но и дома. Для этого у него должен быть компьютер с установленными программами. Хороший мастер должен от своей работы получать эстетическое удовольствие. Это не тот случай, когда становятся специалистом только для заработка денег. Конечно, услуги художника и дизайнера нельзя назвать дешевыми, но здесь требуется любовь к своей профессии. Никакой художник не сможет нарисовать рисунок или картину, если у него не лежит к этому душа. То же самое можно сказать о разработке проекта или о создании уникального дизайна.

Специалист, предлагающий услуги художника и дизайнера в Нижнем Новгороде, должен быть готов к:

  • кропотливой и сложной работе;
  • творческим кризисам, от которых никто не застрахован;
  • работе в режиме нон-стоп.

Цены на услуги художника в Нижнем Новгороде

Всем нужен не только специалист, который может грамотно разработать дизайн и нарисовать красивую картинку, но и тот, у кого можно заказать такие услуги недорого. Здесь надо понимать, что расценки у всех разные, поэтому говорить об универсальной стоимости нельзя. Все будет зависеть от особенностей заказа и потраченного времени, что значительно усложняет поиск специалиста. Но в Нижнем Новгороде всегда можно нанять грамотного специалиста для создания уникального дизайна по доступной цене.

Лучше всего искать таких специалистов на сайте Юду. Тут зарегистрированы мастера самого высокого класса, у которых можно относительно дешево заказать услуги по разработке дизайна. Этот сервис зарекомендовал себя как один из лучших, поэтому именно здесь ищут специалистов для выполнения самой разной работы.

Пьянов Константин — Музей современного искусства Эрарта

Константин Пьянов родился в 1973 году в Нижнем Новгороде. Отца будущего художника отправляют служить в Дудинку через несколько лет после рождения сына, и семья Пьяновых переезжает на север. После окончания десятого класса Константин Пьянов уезжает вместе с другом в Хакасию. В Минусинске он знакомится с Владимиром Тироном, директором художественной школы. Пьянов устраивается в художественную школу сторожем и постепенно начинает рисовать.

 

За пять лет проведенных в Хакасии, молодой художник знакомится с художниками Андреем Поздеевым и Владимиром Капелько. Последний становится не только его учителем, но и вдохновляет Пьянова на художественное переосмысление древних росписей, петроглифов, наскальных рисунков, во множестве виденных Пьяновым во время совместных с Капелько экспедиций по Хакасии. Капелько оставил после себя огромную коллекцию перетирок хакасских петроглифов, уникальных тем, что художник-археолог тщательно перетирал те петроглифы, которые шли под затопление Енисеем.

 

По настоянию родителей, по прошествии пяти лет проведенных в Хакасии, Константин возвращается в Нижний Новгород и поступает в Нижегородское художественное училище.

 

Сейчас художник живет в Нижнем Новгороде, преподает в художественном училище, но каждое лето уезжает на несколько месяцев в Хакасию, где вместе с друзьями-художниками живет на берегу Енисея в землянке, делает наброски, зарисовки и пишет акварели, а, возвращаясь в город, переносит собранные материалы на холсты. Создавая живописные и графические работы, Пьянов использует аутентичные орнаменты и мотивы, сцены охоты, изображения деревьев и животных, какими их рисовал человек много тысяч лет назад, поэтому и пишет он в наивной манере, используя локальные цвета, гамму охристых, зеленых, земляных цветов. Возвращая современности лаконичность древних мотивов, вместе с их яркой эмоциональностью.

раскрыть

Художник-постановщик Сергей Февралев. Интервью.: la_gatta_ciara — LiveJournal

С точки зрения простого зрителя, в работе художника-постановщика кино нет ничего сложного: подумаешь, найти подходящий интерьер или красивый лесок для съемок! Но это далеко не так. Деревенька на заднем плане, комната, в которой снимается сцена, мебель, находящаяся в ней, словом, все, что окружает актеров в кадре — продумано до мелочей и исполнено под надзором художника-постановщика, потому что именно он отвечает за визуальный ряд, стиль и атмосферу фильма. Я попросила у одного из самых талантливых и ведущих художников современного отечественного кино Сергея Февралева рассказать вам о своей работе. В посте также использован иллюстративный материал и воспоминания о проектах, взятые с фейсбука Сергея.

Художник-постановщик С. Февралев.

Среди работ Сергея есть большие и известные всем проекты:

2012 БЕЛЫЙ ТИГР, реж. К. Шахназаров
2012 ОРДА, реж. А. Прошкин
2015 ДОРОГА НА БЕРЛИН, реж. С. Попов
2015 ОН — ДРАКОН, реж. И. Джендубаев
2016 АННА КАРЕНИНА. реж. К. Шахназаров

За фильм «Орда» художник получил премию кинокритики и кинопрессы «БЕЛЫЙ СЛОН», кинопремию «ЗОЛОТОЙ ОРЕЛ» и кинопремию «НИКА».

Я: Что подтолкнуло Вас к решению стать художником-постановщиком?

С. Февралев: Я не знаю, как становятся художником-постановщиком, и не могу сказать, что такое художник-постановщик. Стал ли я им? На том профессиональном безрыбье, которое сегодня существует в кино, я вхожу, наверное, в 25 ведущих художников кино России. Но это настолько субъективно. Киносообщество сейчас разрознено и нет единого понимания этой профессии, статуса того или иного художника. А если отвечать на вопрос: «Что подтолкнуло Вас к решению стать художником-постановщиком?» бытовым языком, то: переехал в Москву, нужно было платить за съемную квартиру, случайно в этот момент набирались курсы на Мосфильме, поступил, пошел помощником художника в кино, через 3 года стал художником-постановщиком сам.

Художник-постановщик С. Февралев и режиссер К. Шахназаров.

Что нравится Вам в Вашей профессии?

«Нравится» — это неправильное слово. Это потребность. Как то у меня было месяца 3 без работы, и я просто взвыл от потребности что-то делать. Даже стал пробовать другое, но успокоился только тогда, когда меня снова пригласили художником. Это психофизика. У художников вообще со временем отпадает такое понятие как профессия. Художник не может с 9 до 18 быть художником, а потом как бы резко не стать им на вечер, выходной или отпуск. Настоящий художник остается художником всегда и в любое время. Мы работаем круглосуточно. Точнее даже не работаем. Это не работа, а наша жизнь. Мы живем. И поверьте это не пафосные слова, а так оно и есть. И если у рабочего может быть тяжелая работа, то у настоящего художника (особенно в кино) тяжелая жизнь, потому что он сам ее себе усложнит своими поисками и стремлениями создать что то интересное. Ну а дальше кто сколько протянет.

Художник-постановщик С. Февралев.

В чем суть профессии художник-постановщик?

В контракте у художников-постановщиков кино есть один пункт: «Отвечает за художественную целостность кинокартины«. Вот собственно и есть основная задача художника кино, суть его профессии. Другое дело, что он должен еще уметь это сделать не только на листе бумаги, но и воплотить в реальности. Но это тоже относится к зоне его ответственности. Не смог воплотить — значит не смог удержать художественную целостность кинокартины. А кто отвечает, тот и принимает решение по выбору художественного направления в работе над кинофильмом.

Бывает и так, что два месяца изучаешь материалы, полтора месяца разрабатываешь чертежи декорации, три месяца строишь декорацию… и все это ради трех съемочных дней. Так случилось и на фильме «ОРДА» (здесь и почти все дальше курсивом — цитаты из фейсбука Сергея Февралева).

Эскиз декорации Москвы из фильма «Орда». Художник-постановщик С. Февралев

Весь мир Руси состоял из двух объектов: декорация бревенчатой Москвы середины 14 века и интерьер второго Успенского собора.

Кадр из фильма «Орда»

Москву снимали 5 дней. Успенский собор 3 дня. Но здесь важно насколько художник к себе взыскателен, и готов ли он, несмотря на столь маленькое количество съемочных дней, тратить свои силы и силы своей команды. Мы себя не пожалели и сделали все подробно.

Фильм «Орда». Эскиз декорации «Успенский собор». Художник-постановщик С. Февралев

Декорация «Успенский собор»

Как взаимодействуют художник-постановщик с режиссером и оператором?

Представим, что картина Леонардо да Винчи «Мона Лиза» — это один кадр будущей кинокартины. Так вот, пейзаж и костюм — работа художника, композиция и свет — работа оператора, а выбор актрисы и работа с ней, чтобы потом все рассуждали о ее уникальной улыбке — это работа режиссера.

Мы стараемся не лезть в работу друг друга, а если и лезем, то дураки, потому что ничего в этом не понимаем. И все наши разговоры только для того, чтобы свести наши усилия к одному целостному произведению.

Дают ли Вам режиссеры свои «пожелания», ссылаясь на картины известных живописцев?

Режиссер всегда высказывает свои пожелания. И тут очень важно насколько у вас складывается взаимопонимание. Задача режиссера наметить художнику основные векторы, конфликты, ощущения. Кому-то для этого достаточно слов, а саму визуальную пластику он оставляет на усмотрение художника. Кто-то, думая, что его могут не понять, подсовывает картинки, Другой просит посмотреть какие то кинокартины. На это у художника возникают ответные слова, картины и кино. Все это — форма диалога, в процессе которого почти всегда возникает что-то третье, какое то новое решение кино, о котором вначале никто из киногруппы даже не подозревал.

Фильм «Орда». Декорация «Бани». Художник-постановщик С. Февралев

Режиссер А. Прошкин рассказывал в интервью: «Павильоны [фильма «Орда»] мы строили на «Мосфильме», и к нам даже экскурсии ходили! Я считаю, что у нас был очень талантливый художник Сергей Февралев, новая звезда в своей профессии. Человек, который умеет не только придумать, но и воплотить свои идеи в жизнь, сделать. У нас были сложные декорации и с бассейнами, и с горящими печами. Для одной из декораций, например, были сделаны специальные облицовочные плитки. Причем Сергей заставил каждую плитку расписать и сделать вручную, а потом покрыть лаком. Декоратор ему говорил, что это всё ерунда и это давно делают машины. Но именно потому, что это было сделано руками, и складывалось полное ощущение реальности происходящего» (http://e-vestnik.ru/interviews/filma_orda_premera_3906/)

Фильм «Орда». Декорация «Дворец Хана». Художник-постановщик С. Февралев

Фильм «Орда». Декорация «Бани-Ад». Художник-постановщик С. Февралев

Имеет ли художник-постановщик отношение к натурным сценам?

Весь мир, включая леса, поля, реки, провинциальные городки и деревушки… все это, внутри отдельно взятого фильма, должно быть подчинено целостному художественному образу. Отбор натурных объектов для художника кино — один из инструментов создания образа. Мало того, мы часто поправляем натурные объекты, корректируем их с помощью достроек и додекорировок, как под отдельные сцены, так и под стиль и образ картины в целом.

Фильм «Белый тигр». Декорация «Деревня под танковый бой». Художник-постановщик С. Февралев

«На картине «Белый тигр» был интересный случай. Мы строили декорацию «Деревня», в которой должен был происходить бой Т-34 с Белым тигром. По сценарию, в деревне было множество немцев и техники, и нашему танку приходилось преодолевать разные препятствия, прежде чем встретиться с главным противником — Немецким супер-танком. И это должна быть кульминационная схватка. Так же сценарий был с намеком на мистику, и художественный цех решил делать декорацию «Деревня» как бы потустороннюю, пугающую.

Фильм «Белый тигр». Декорация «Деревня под танковый бой». Художник-постановщик С. Февралев

Режиссер почему-то долго не ехал на декорацию и появился только за 3 дня до съемок этого объекта. Ему понравилось. А вечером он предложил переписать сцену под декорацию. Были убраны все второстепенные бои в деревне, и остался один только бой между двумя танками и третий танк использовался как приманка. В результате в кино получилась уникальная сцена, где действуют только танки. Некий мистический кукольный театр из танков или танковый завораживающий балет.

Кадр из фильма «Белый тигр»

Вот таким сложным путем, благодаря декорации, построенной с настроением, таланту и чуткости режиссера, удалось сэкономить бюджет фильма. Хотя при работе над этой декорацией никто, конечно, об этом не думал.

Фильм «Белый тигр». Эскиз подбитого танка. Художник-постановщик С. Февралев

Еще один штрих к работе художника-постановщика:

Картина «БЕЛЫЙ ТИГР».

Задача: воссоздать поле с подбитыми танками.

1. Собираем иконографический материал.

2. Делаем набросок, чтобы уловить эмоцию.

3. Делаем эскизы. Уже придумано, что танки умирают как люди, и их смерть может многое рассказать о последних часах жизни. И вот тут иногда художник останавливается, а впереди еще много работы.

4. Находим характер каждого танка.

5. Делаем чертежи-развертки каждого отдельного танка.

6. Делаем описание работ по каждому танку.


Фильм «Белый тигр». Чертежи макета подбитого танка. Художник-постановщик С. Февралев

Можно отдавать на обсчет и в изготовление. Осмечивание показывает, что танки слишком дороги, они должны догорать, а фактура должна быть сложной. Продолжаем работу.

7. Танки решено делать из металла.

8. Придумываем фактуру, которая при горении металла не отслоится.

9. Придумываем танки-конструкторы, которые при разном монтаже могут быть неузнаваемы и рассчитываем их сразу на несколько разных сцен.

Фильм «Белый тигр». Подбитый танк. Художник-постановщик С. Февралев

Вроде бы все. Но дальше начинается самое сложное. Любой изготовитель мечтает потратить меньше сил, получив всю сумму денежного вознаграждения. Поэтому…

10. Подписывая с изготовителем договор, намечаем этапы приемки.

11. Навещаем изготовителя, отслеживая точность и качество работ.

12. После сдачи доводим танки своей командой (и это неизбежно).»Как работают художник-постановщик с художником по костюмам?

Художник по костюмам, как и художник по гриму, и художник по реквизиту, в общем, подчиняются художнику-постановщику. Когда мы работаем с профессионалами для создания единого визуального образа достаточно нескольких тем для обсуждения: ощущение, силуэт, цвет, фактура. Вся остальная работа — это авторская работа художника по костюмам, художника по гриму, художника по реквизиту. Не нужно упиваться своей возможностью и правом диктовать мнение другим творческим профессиям. Иногда художники по костюмам, художники по гриму и художники по реквизиту могут предложить что-то настолько интересное, что вам и в голову не придёт. А если это так, то настояв на своем, вы лишите кино и себя чего то лучшего.

Работая над декорацией «Санкт-Петербург» [Фильм и сериал «Анна Каренина. История Вронского«], мы хотели создать ощущение «духоты», «запертости» для нашей героини. Мы решили поместить ее в огромный, хоть красивый и помпезный, но все-таки «каменный мешок». Чтобы воплотить эту идею для разработки фасадов зданий выбрали самые тяжеловесные здания Санкт-Петербурга с массивными колоннами, рустами и дверьми. Замкнули улицы арками перекрывающими перспективу (Сенатская арка и арка главного почтамта). И цвет… Мы не стали использовать классические цвета для выкраски домов (охра с белым, барочный-розовый с грязной охрой, голубой со светло-серым и др.), а намешали все оттенки гранита. Получилась довольно разнообразная, но суровая цветовая гамма.

Фильм «Анна Каренина. История Вронского». Эскиз декорации «Санкт-Петербург». Художник-постановщик С. Февралев

Фильм «Анна Каренина. История Вронского». Декорация «Санкт-Петербург». Художник-постановщик С. Февралев

К этому цветовому решению привели и все остальное: реквизит, портьеры в окна, кареты. Даже некоторые кареты разработали и изготовили специально для этой декорации.

Фильм «Анна Каренина. История Вронского». Кадр из фильма

Эскиз кареты. Художник-постановщик С. Февралев

Художники по костюмам [Дмитрий Андреев и Владимир Никифоров] также согласились играть в нашу игру. Чтобы только Анна была как-бы не из этого мира.

Кадр из фильма «Анна Каренина. История Вронского».

Как вспоминал в одном из интервью художник по костюмам фильма Дмитрий Андреев — «Гамму северной столицы… составляли в основном все холодные, «отчуждённые» оттенки серого, черного, зеленоватых и коричневатых тонов… И только гардероб Карениной состоял из ярких, порой контрастирующих оттенков пурпура, фуксии, лаванды и кроваво-красных тонов» (источник http://mosfilm.ru/news/?ELEMENT_ID=12790)

Мы попытались создать некое пространство, в чем-то холодное и неудобное, в чем-то мещанское и безвкусное, в чем-то пыльное и запущенное, — продолжает рассказывать художник-постановщик фильма «Анна Каренина. История Вронского» Сергей Февралев.

Фильм «Анна Каренина. История Вронского». Эскиз декорации «Дом Карениных». Художник-постановщик С. Февралев

Кадр из фильма «Анна Каренина. История Вронского».

Одним словом, мир, в котором главной героине было бы невыносимо. А красота интерьеров это только маска, за которой скрывается отсутствие всякой жизни.

Фильм «Анна Каренина. История Вронского». Эскиз декорации «Дом Карениных». Художник-постановщик С. Февралев

Кадр из фильма «Анна Каренина. История Вронского»

Объекты «Бальный зал» и «Театр» было решено объединить в один зал при помощи небольшой перестройки. Это пространство должно было олицетворять весь Высший свет. Сама декорация была задумана как огромный зал для последнего прощания. Черные мраморные колонны с бронзовым основанием и капителью и с бронзовыми ветвями в канелюре. Завершающие их черные мраморные обелиски с бронзовым венком.

Художник-постановщик С. Февралев на фоне декорации «Бальный зал»

Черные мраморные порталы дверей с бронзовой отбивкой чем то напоминающие могилы. Все это должно было создавать ощущение траура и намекать на неминуемый конец этой истории.

Фильм «Анна Каренина. История Вронского». Эскиз декорации «Бальный зал». Художник-постановщик С. Февралев

Кадр из фильма «Анна Каренина. История Вронского»

Как рождается визуальный стиль картины?

Это один из самых сложных вопросов, на который однозначно ответить невозможно. Дело в том, что стиль — это одно из сильнейших орудий кино. Если говорить об исторических стилях, то каждый из них — это целый мир, со своей культурой и нравственностью. Используя тот или иной исторический стиль, мы либо апеллируем к его ценностям, либо спорим с ними, а порой и высмеиваем его. Тогда же когда мы создаем свой неповторимый стиль для отдельно взятого кино, то вместе с ним мы создаем и свою систему ценностей. Стиль диктует нравы, а значит и некую нравственность. И наоборот это тоже работает. Некие нравственные основы в сценарии мы переводим в нравы (поступки) и вместе с тем в стиль жизни главных героев, или стиль мира вокруг персонажей. Стиль, созданный художником — это его личное понимание, что есть добро и что есть зло.

Кадр из фильма «Белый тигр». Декорация «Кабинет Гитлера». Художник-постановщик С. Февралев

Декорация «Кабинет Гитлера». Это художественный образ предполагаемого кабинета. И здесь виден почерк художника: гигантские панно на стенах, игра фактур и цвета — матовой монохронности панелей и золотистого блеска барельефа. Сразу вспоминается театр, с его масштабами и визуальной четкостью декораций. Сергей и не скрывает, что «…начинал я в театре. И театр научил меня умению делать все своими руками, работать с разными цехами и добиваться задуманного. Это был первый опыт материализации мыслей и идей. А мысли и идеи в театре свободнее и необузданнее, чем в кино. Теперь я художник кино. Но понимание художественного замысла, так как понимают его в театре, я стараюсь перенести и в кино. Одним словом скучаю».

Барельеф в стиле «Ар Нуво» из декорации «Кабинет Гитлера». Художник-постановщик С. Февралев

Что нужно знать и уметь художнику-постановщику?

Знать и уметь — это одно и то же. Болтунов в кино не любят, не умеешь — значит, не знаешь. Поэтому ограничимся ответом на вопрос «Что нужно уметь?»:

1. Уметь мыслить образами
2. Уметь мыслить пространственно.
3. Уметь управлять эмоцией зрителя через форму, силуэт, цвет, фактуру, ритм, изобразительную пластику и др.
4. Уметь из прочтенного сценария выявить визуальную мысль
5. Уметь любую фразу или мысль выразить с помощью изобразительных средств.

Но сейчас вся инфраструктура, профессиональный уровень специалистов и производственная база киноиндустрии находятся в настолько плачевном состоянии, что художнику нужно еще:

6. Уметь изображенное на эскизе воплотить в реальность
7. Уметь работать с макетом и прирезкой
8. Уметь читать чертежи и чертить чертежи.
9. Уметь работать с деньгами (бюджет, смета).
10. Уметь работать с людьми… со всеми людьми: от режиссера до сварщика
11. Уметь работать руками.
12. Уметь … Главное уметь.

Большое спасибо Сергею за интервью! Желаю ему от своего и вашего имени новых интересных проектов и талантливых, умных режиссеров!

В посте использованы рисунки и фотографии из личного архива С. Февралева.

Еще много интересного вы можете прочитать и посмотреть на фейсбуке художника https://www.facebook.com/s.s.fevralev?fref=ts

Посты на похожие темы:

Художник — постановщик Данте Ферретти о себе и великих режиссерах. https://la-gatta-ciara.livejournal.com/242344.html

Декорации сериала «Американская история ужасов: Отель»: ацтеки, Кубрик и «зизаг-модерн». https://la-gatta-ciara.livejournal.com/383601.html

С любовью к Риму. Декорации сериала «Молодой Папа» https://la-gatta-ciara.livejournal.com/397996.html

Названы лауреаты «Золотой маски» | РБК Стиль

Церемония вручения российской театральной премии «Золотая маска» прошла 20 апреля в Москве в Музыкальном театре им. Немировича-Данченко. Зрители могли наблюдать за ней в онлайн-формате с трансляцией на сайте фестиваля, в VK и в онлайн-кинотеатре OKKO.

Во время церемонии при объявлении лауреата в категории «Лучшая работа режиссера/опера» выяснилось, что награда в этом году не присуждается. Это произошло впервые в истории «Золотой маски». «Так бывает», — констатировали ведущие церемонии актеры Мириам Сехон и Сергей Епишев. Номинантами на премию были Константин Богомолов («Кармен»), Владиславс Наставшевс («Искатели жемчуга»), Марат Гацалов («Дон Жуан»), Филипп Григорьян («Любовь к трем апельсинам»), Сергей Бобров («Богатыри»), Дмитрий Белянушкин («Свадьба Фигаро», Нижний Новгород), Клаус Гут («Саломея»), Елизавета Корнеева («Vita Nuova»), Михаил Бычков («Свадьба Фигаро», Воронеж).

Примечательна победа Театра Наций в номинации «Лучший спектакль/куклы». По словам художественного руководителя Евгения Миронова, работа Тимура Бекмамбетова и Анны Викторовой «Ходжа Насреддин» выиграла, зайдя «не на свою территорию».

Театр наций также получил спецприз за спектакль Алвиса Херманиса «Горбачев» с Евгением Мироновым и Чулпан Хаматовой в главных ролях. 

«Именно художественность становится мерилом общественной значимости, — отметил режиссер Адольф Шапиро. — Думая о том, без какого спектакля была бы неполной театральная жизнь Москвы и всей страны, я хочу назвать решение жюри: они отдали голоса Театру Наций за создание спектакля «Горбачев». «В этом спектакле очень важен дуэт — не менее важно партнерство на сцене. Мы посвятим эту награду Раисе Максимовне и Михаилу Сергеевичу, которые своей любовь сподвигли нас на этот спектакль», — ответил Миронов.

Две главные премии за лучшие драматические спектакли, малой и большой формы, отправились в Петербург. Лауреатами стали «Товарищ Кисляков» Александринского театра и «Три толстяка. Эпизод 7. Учитель» Большого драматического театра им. Г.А. Товстоногова.

Евгений Цыганов, принимая первую театральную премию, долго не мог определить, слышно его или нет и куда ему говорить, но когда технические моменты прояснились, посвятил премию маме, сказал спасибо своим родителям, вспомнил, что в советское время театр нес свободу мысли и свободу высказываний. После чего поблагодарил педагога Московской киношколы Аллу Степанову, «которая учила, что гражданская позиция не менее важна, чем актерское мастерство», а также Петра Фоменко, «который учил, что восприятие партнера важнее, чем самовыражение, и что успех не так важен иногда, как провал», и Дмитрия Крымова, режиссера спектакля «Моцарт «Дон Жуан». Генеральная репетиция».

«Когда я перечисляю эти имена, я понимаю, что русский театр жив, несмотря на трудную историю нашей страны, со всеми войнами, репрессиями, революциями. И вроде большой вопрос сейчас стоит, как весь мир относится к нашей культуре, к театру. Театр существует и будет существовать, мы все заняты важным делом. Мира вашему дому, мира нашему дому — маленькому шарику, на котором мы живем, который содрогается от эпидемий, от конфликтов бесконечных. Всем нам выжить, сил. Всем спасибо», — сказал Цыганов.

Премию за лучшую работу режиссера присудили Дмитрию Крымову. Получая премию за Крымова, который сейчас находится не в России, Евгений Цыганов сообщил его просьбу: режиссер попросил передать его премию Дмитрию Муратову, лауреату Нобелевской премии мира.

Номинантов премии 2022 года определили экспертные советы из премьер, выпущенных с 1 августа 2020 г.  по 31 июля 2021 года. В номинациях были представлены: 81 спектакль, 67 театров и 290 частных претендентов.

Российская Национальная театральная премия и фестиваль «Золотая маска» учреждены в 1993 году Союзом театральных деятелей. Фестиваль «Золотая маска» ежегодно проводится в Москве и представляет лучшие спектакли сезона во всех видах театрального искусства: драма, опера, балет, современный танец, оперетта/мюзикл, театр кукол.

Лауреаты «Золотой Маски» — 2022

ОПЕРЕТТА/МЮЗИКЛ

Лучшая женская роль в оперетте/мюзикле:

Анастасия Стоцкая (Флоренс Васси), «Шахматы», Театральная компания «Бродвей Москва» и Театр МДМ, Москва

Лучшая мужская роль в оперетте/мюзикле:

Евгений Елпашев (Макс Гербер), «Одолжите тенора», Театр музыкальной комедии, Екатеринбург

Лучшая роль второго плана в оперетте/мюзикле:

Александр Бобров (Фредди Трампер), «Шахматы», Театральная компания «Бродвей Москва» и Театр МДМ, Москва

Лучшая работа режиссера в оперетте/мюзикле:

Роман Феодори, «Антигона», Театр-Театр, Пермь

Лучшая работа дирижера в оперетте/мюзикле:

Евгений Загот, «Шахматы», Театральная компания «Бродвей Москва» и Театр МДМ, Москва

Лучший спектакль в оперетте/мюзикле:

«Антигона», Театр-Театр, Пермь

ОПЕРА

Лучшая женская роль/опера:

Екатерина Воронцова «Ариодант», Большой театр, Москва

Лучшая мужская роль/опера:

Михаил Пирогов, «Богатыри», Театр оперы и балета им. Д.А. Хворостовского, Красноярск

Лучшая работа режиссера в опере:

Премия не присуждается

Лучшая работа дирижера/опера:

Филипп Чижевский, «Кармен», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь

Лучший спектакль/опера:

«Саломея», Большой театр, Москва

Лучшая работа композитора в музыкальном театре:

Ольга Шайдуллина, «Антигона», Театр-Театр, Пермь

БАЛЕТ/СОВРЕМЕННЫЙ ТАНЕЦ

Лучшая женская роль в балете/современном танце

Оксана Кардаш, «Autodance», Музыкальный театр им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, Москва

Лучшая мужская роль в балете/современном танце:

Владислав Лантратов (Тригорин), «Чайка», Большой театр, Москва

Лучшая работа дирижера в балете/современном танце:

Павел Клиничев, «Конек-горбунок», Урал Опера Балет, Екатеринбург

Лучшая работа балетмейстера/хореографа в балете/современном танце:

Павел Глухов, «Плот Медузы», Камерный театр, Воронеж

Лучший спектакль в современном танце:

«Новая земля», Платоновский фестиваль искусств, Воронеж

Лучший спектакль в балете:

«Чайка», Большой театр, Москва

СПЕЦИАЛЬНЫЕ НАГРАДЫ

Спецприз за творческую смелость и командный дух:

«Свадьба Фигаро», Театр оперы и балета им. А.С. Пушкина, Нижний Новгород

Спецприз за ансамбль и освоение новых жанров:

«Семейка Аддамс», Большой драматический театр, Тюмень

Спецприз за создание спектакля:

«Горбачев», Театр Наций, Москва

Спецприз за создание спектакля:

«Сектор Газа», ЦЕХЪ Театр и Экспериментальная сцена Театра-фестиваля «Балтийский дом» п/р Анатолия Праудина, Санкт-Петербург

КОНКУРС «ЭКСПЕРИМЕНТ»

«Симулятор школы», фестиваль «Точка доступа», Санкт-Петербург

МУЗЫКАЛЬНЫЙ ТЕАТР

Лучшая работа художника по свету в музыкальном театре:

Сергей Васильев, «Любовь к трем апельсинам», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь

Лучшая работа художника по костюмам в музыкальном театре:

Влада Помиркованая, «Любовь к трем апельсинам», Театр оперы и балета им. П.И. Чайковского, Пермь

Лучшая работа художника в музыкальном театре:

Альона Пикалова / Сергей Рылко, «Байка. Мавра. Поцелуй феи», Мариинский театр, Санкт-Петербург

Лучшая работа художника по костюмам в драматическом театре:

Ксения Сорокина, «Финист Ясный Сокол», проект «Дочери СOCO», Москва

Лучшая работа художника в драматическом театре:

Александр Мохов, Мария Лукка, «Циолковский», Театр драмы им. Ф. Волкова, Ярославль

КУКЛЫ/СПЕКТАКЛЬ

Лучшая работа актера:

Алексей Полищук, Уолеран, «Маяк Уолерана», Театр Тантамарески, Санкт-Петербург

Лучшая работа художника:

Ольга Галицкая, Илья Юдович, «Священный талисман», Театр Предмета и Еврейский музей и центр толерантности, Москва

Лучшая работа режиссера:

Максим Исаев, «Сказка о золотом петушке», театр «Karlsson Haus», Санкт-Петербург

Лучший спектакль:

«Ходжа Насреддин», Театр Наций, Москва

ДРАМА/СПЕКТАЛЬ

Лучшая женская роль:

Анна Блинова, Нана, «Нана», Александринский театр, Санкт-Петербург

Лучшая мужская роль:

Евгений Цыганов, Режиссер, «Моцарт «Дон Жуан». Генеральная репетиция», театр «Мастерская П.Н. Фоменко», Москва

Лучшая женская роль второго плана:

Марина Бабошина, Долли, «Анна Каренина», Театр юного зрителя, Красноярск

Лучшая мужская роль второго плана:

Александр Девятьяров, Пьер, «Сын», Российский академический Молодежный театр, Москва

Лучшая работа драматурга:

Светлана Петрийчук, «Финист Ясный Сокол», проект «Дочери СOCO», Москва

Лучшая работа режиссера:

Дмитрий Крымов, «Моцарт «Дон Жуан». Генеральная репетиция», театр «Мастерская П.Н. Фоменко», Москва

Лучший спектакль/малая форма:

«Товарищ Кисляков», Александринский театр, Санкт-Петербург

Лучший спектакль/большая форма:

«Три толстяка. Эпизод 7. Учитель», Большой драматический театр им. Г.А. Товстоногова, Санкт-Петербург.

Что на самом деле делают художники?

Что на самом деле делают художники в реальной жизни? Телевидение часто изображает художников, сидящих без дела в кофейнях и ведущих глубокие и содержательные беседы, или разгуливающих в интересных нарядах по художественным галереям, или переживающих драматические нервные срывы, обычно связанные с наркотиками и алкоголем.

Это правда, что иногда вы найдете художников, делающих такие вещи. Тем не менее, большую часть времени они будут там, где им действительно нужно быть, — в своей студии творят искусство.

Художники создают искусство

Том Вернер / Getty Images

Искусство — это самое важное, чем занимаются художники. Их основная задача состоит в том, чтобы создать искусство по своему выбору.

Это могут быть инсталляции, скульптуры, картины, рисунки, керамика, перформансы, фотографии, видео или любой другой носитель. Некоторые художники включают в свои работы несколько различных сред.

Искусство может принимать разные формы, но, за исключением некоторых концептуальных видов искусства, искусство — это выражение идеи в той или иной физической форме.Художники должны работать последовательно и создавать качественные работы, поэтому большую часть своего времени они проводят в студии, занимаясь именно этим.

Художники думают о мире

Гвидо Мит / Getty Images

Художники – это не люди-копировщики. Они занимаются искусством не просто так и стараются поделиться своими идеями и видением с другими.

Художники проводят довольно много времени, наблюдая за окружающим миром. Они размышляют о вещах, людях, политике, природе, математике, науке и религии.Они наблюдают за цветом, текстурой, контрастом и эмоциями.

Некоторые художники мыслят визуально. Они могут захотеть нарисовать картину, которая показывает красоту пейзажа или интересное лицо человека. Некоторое искусство исследует формальные качества среды, показывая твердость камня или яркость цвета.

Искусство может выражать эмоции, от радости и любви до гнева и отчаяния. Некоторое искусство относится к абстрактным идеям, таким как математическая последовательность или узор.

Все эти интерпретации требуют размышлений.В следующий раз, когда вы увидите художника, сидящего в удобном кресле и смотрящего в пространство, это не обязательно безделье. Возможно, они действительно работают.

Художники читают, смотрят и слушают

Филипп Лиссак / Getty Images

Возможность думать и делиться своими взглядами на мир означает учиться как можно большему. Из-за этого художники тратят много времени на изучение и погружение в культуру.

Вдохновение есть везде, и у каждого художника оно разное.Тем не менее, большинство высоко ценит широту знаний и творческие поиски других.

Чтение книг, журналов и блогов, просмотр кино, прослушивание музыки — все это важно для большинства художников.

Помимо чтения о самом искусстве, художники открыты для идей из многих источников. Они могут изучать научные журналы или телепередачи о природе, сборники стихов, классические романы и иностранное кино, поп-культуру и философию. Они добавляют эти знания к тому, что знают о технике и своих творческих способностях, чтобы сделать свою работу.

Художники делятся своим искусством

Одинокая планета / Getty Images

Часть того, чтобы быть художником, состоит в том, чтобы аудитория смотрела и, надеюсь, покупала искусство. Традиционно это означает найти агента или дилера, который поможет организовать выставки ваших работ в галереях.

Для начинающего художника этот путь часто включает в себя организацию шоу в нетрадиционных местах, таких как кафе, или доставку своих работ на художественные ярмарки. Многие также планируют свою собственную работу, чтобы сэкономить деньги, и рутинные задачи, такие как базовые навыки работы с деревом, могут быть очень полезными.

Современные средства массовой информации открыли художникам множество возможностей: веб-сайты художественных сообществ, личные веб-страницы и социальные сети. Тем не менее, важно не просто жить в Интернете — ваша местная арт-сцена по-прежнему предлагает много возможностей.

Выставка и продажа также включают в себя значительную часть саморекламы. Художники должны продвигать себя, особенно если у них нет представительства. Это может включать ведение блога или интервью в газетах и ​​на радио для продвижения своей работы.Это также включает в себя поиск мест для выставок и разработку маркетинговых материалов, таких как визитные карточки.

Довольно часто вы обнаружите, что художники хорошо справляются с множеством основных деловых и производственных задач. Часто это происходит по необходимости, и это то, что они приобретают по мере продвижения по карьерной лестнице.

Художники являются частью сообщества

Изображения героев / Getty Images

Искусство не обязательно должно быть приключением одинокого волка. Как сказал однажды один лектор: «Нельзя заниматься искусством в вакууме.«Многие художники считают, что это очень верно, поэтому художественное сообщество так важно.

Люди стремятся к взаимодействию, и наличие группы сверстников, разделяющих ваши творческие идеалы, может действительно помочь сохранить вашу креативность.

Художники поддерживают друг друга разными способами. Они могут посещать открытия галерей и художественные мероприятия, помогать друг другу в продвижении или просто собираться вместе за чашечкой кофе или ужином, чтобы пообщаться. Вы также найдете художников, собирающих средства на благотворительность, обучение и проведение семинаров и сессий критики.

Многие художники также предпочитают работать в общих студиях или присоединяются к кооперативной галерее. Все это подпитывает потребность в социальном взаимодействии, которое подпитывает творческий процесс. Это также показывает другим, что художники поддерживают друг друга, и продвигает здоровое художественное сообщество среди широкой публики.

Художники хранят книги

Крисанапонг детрафифат / Getty Images

В любой задаче, которую мы делаем, мы создаем документы. Чтобы стать успешным художником, вам необходимо освоить основы финансов и организации и знать, как вести базовый учет доходов и расходов.

Художникам необходимо знать о налоговых и коммерческих законах в их округе, штате и стране. Им необходимо организовать страховку, подавать заявки на гранты, оплачивать счета и отслеживать счета-фактуры, а также вести учет галерей и конкурсов, на которые они представили свои работы.

Это, безусловно, менее гламурная сторона артиста, но это часть работы. Поскольку творческим людям трудно быть организованными, им необходимо уделять особое внимание развитию хороших управленческих привычек.

Многие художники приобретают эти навыки на ходу. Некоторые также получают помощь по определенным задачам от бухгалтеров, помощников или учеников. Быть работающим художником означает, что у вас есть бизнес, а это требует целого ряда задач, которые нам не всегда нравятся. Тем не менее, это то, что нужно сделать, чтобы наслаждаться жизнью творчества.

12 привычек высокоэффективных художников: от творческих упражнений до жизни в самолете

Что делает одних художников более успешными, чем другие? Талант, удача и трудолюбие, безусловно, играют определенную роль, но есть и другие, более тонкие привычки, которые, кажется, есть у многих великих людей.Мы спросили 11 художников об их рабочих буднях и о том, как они строят свою жизнь, чтобы увидеть, как эти повседневные ритуалы, большие и маленькие, заставляют их работать. Ниже приведены 12 привычек, которые помогают этим художникам создавать свои лучшие работы.

1. Живите в режиме полета

Режим полета. Предоставлено Apple.

Марта Рослер называет это «эффектом третьего пространства» — рабочей средой, контролируемой настолько, что «мир сжимается вокруг меня до размера пузыря, не отвлекаясь ни на мою повседневную жизнь, ни на окружающую среду, ни на людей.«Единственное место, где она испытывает это чувство, — это аэропорты. «Одно из моих наиболее цитируемых эссе я написал в основном в аэропорту Атланты в 1980 или 1981 году. Я часто обнаруживала, что могу сконцентрироваться в аэропортах, но только в том случае, если зал ожидания не переполнен или если я могу сидеть там, где есть столики», — говорит она.

Конечно, полет сам по себе обеспечивает еще более полное сдерживание. «Меня меньше всего отвлекают в самолетах, — говорит художник Хэнк Уиллис Томас. Он говорит, что даже дома: «Иногда я имитирую это, отключая телефон и интернет.

 

2. Представьте, что вас нет на месте

Фото предоставлено Wikimedia Commons.

Легко сосредоточиться на работе, когда все думают, что тебя нет в городе. «Я только что отправил ответ об отсутствии на работе на свой адрес электронной почты», — говорит художник Джордж Кондо. «Обычно я просто выбираю случайные даты, когда я предположительно вернусь». Действительно, по состоянию на август автоответчик Кондо говорит, что он «не работает в студии до 4 июля».

 

3.Обнять фоновый шум

Штаб-квартира Национального общественного радио. Сол Лоэб/AFP/Getty Images.

Почему NPR играет круглосуточно во многих студиях? «В создании картины нет саундтрека», — говорит художник и писатель Уолтер Робинсон. «Это не то, что вам нужно построить из слов, как, скажем, художественную критику, на что я потратил много времени». Вот почему так много артистов слушают разговорное радио во время работы. Робинсон, однако, на самом деле предпочитает аудиокниги или Bloomberg NPR.(«Общественное радио кажется мне невыносимо обывательским».)

Звук радио также может способствовать священному «третьему пространству» Рослера. «Мне нравится фоновый шум или саундтрек, — говорит она. «Я рассматриваю все это как управляемую шумовую завесу, изолирующую меня от окружающей неуправляемой вселенной».

Другие исполнители предпочитают музыку, хотя, кажется, им не всегда важно, какая именно. Художник Анхель Отеро говорит, что он «всегда» на нем: «Джаз, сальса, босса-нова, трип-хоп, хип-хоп — в зависимости от настроения.Тем временем Condo каждый день проигрывает один и тот же компакт-диск John Coltrane Live in Sweden . «Я просто захожу и нажимаю на нее, и она воспроизводится снова и снова, а на следующий день я делаю то же самое».

 

4. Следите за новостями, даже если они плохие

Александра Белл, Подросток с обещанием (2017). Изображение предоставлено художником.

Да, даже когда это плохо — особенно когда это плохо — художники могут учиться на коммуникативных методах, используемых СМИ.«Я нашел новости вдохновляющими как из-за их способности манипулировать нашими эмоциями посредством выборочного представления информации, так и из-за соблазнительной формы, в которой она представлена», — говорит Уиллис Томас. «Меня также вдохновляют наш президент и многие наши лидеры. Они напоминают мне, почему я делаю то, что делаю, и почему мне нужно делать и знать больше».

 

5. Администрируйте в утренние часы.

Тим Юд перепечатывает картину Патриции Хайсмит « Талантливый мистер Рипли » (июль 2017 г.) в галерее Кристин Тирни, Нью-Йорк.

Привычка, наиболее распространенная среди художников, — это обязательство отвечать на электронные письма первым делом с утра, а затем больше о них не думать. «Я просыпаюсь рано и отвечаю на электронные письма, но в остальное время стараюсь работать более творчески», — говорит Ширин Нешат.

Если не научиться разделять эти два аспекта работы художника, говорит Зои Бакман, «административная сторона художественной практики может затмить создание художественной практики».

«Это моя форма прокрастинации, — говорит Бетти Томпкинс.«Утром я пишу электронные письма, гуляю, общаюсь в социальных сетях и выполняю поручения». Во второй половине дня она готова рисовать и рисовать.

 

6. Творческие упражнения

Маринелла Сенаторе, Формы протеста: память и празднование, часть II. Выступление Грэм 2 из школы Марты Грэм. Предоставлено Музеем Квинса. Фото Стефани Бергер.

Физические упражнения уже давно ассоциируются с улучшением умственной деятельности, и нет никаких причин, по которым к ним нельзя подходить творчески.«Я тренируюсь с индийскими булавами и иранскими миэлами несколько раз в неделю, — говорит художник Билли Чайлдиш (оба представляют собой конусообразные гири, последний восходит к Персидской империи), — а также молитву и йогу».

«Больше всего меня вдохновляет изучение африканских танцев, которым я занимаюсь уже много лет, — говорит Нешат. «Это стало моим тайным ритуалом».

 

7. Будьте самостоятельны и последовательны

Полли Апфельбаум собирает Mojo Jojo в Художественном музее Переса, Майами, 2013 год.Изображение © ПАММ.

Художественное творчество часто является занятием в одиночестве, требующим достаточной самодисциплины, чтобы структурировать собственное время. «Я постоянно работаю по восемь часов в день, и если мне не удается это в течение дня, я компенсирую это вечером», — говорит Лиза Лу. «Это очень похоже на то, чтобы быть спортсменом: вы тренируетесь в любых условиях. Просто приходите в студию, что бы вы ни хотели».

Для ответственных эта свобода может быть чудесным упрощением — некого винить, если работа не сделана, но и не перед кем отчитываться.«У меня всегда был очень самодельный способ работы — никаких сложных технологий, очень мало помощников в студии», — говорит Полли Апфельбаум. «Так что я всегда могу взять и пойти и нести работу сам».

8. Хватит заниматься искусством

Барнетт Ньюман, 1951 г. Фото: Ханс Намут © Hans Namuth Estate, 1991 © Фонд Барнетта Ньюмана/Общество прав художников (ARS), 2013, Нью-Йорк.

«Барнетт Ньюман жаловался, что его жена Аннали не понимает, что он работает, когда он сидит в кресле, смотрит в окно и курит», — говорит Уолтер Робинсон.«Он моя модель».

Исследования показали, что творчество обычно возникает, когда мы не пытаемся, поэтому важно позволять себе время от времени отвлекаться от работы. «Летом я выхожу на задний двор и играю с растениями, чтобы напомнить себе о циклах большого мира», — говорит Рослер.

Как и Ньюман и Робинсон, Кондо говорит, что часто просто «сидит и смотрит». Когда это устареет, он может «взять в руки гитару или виолу да гамба, пока краска сохнет.

«Я редко, очень редко работаю по выходным», — добавляет Бакман. «Мне нужны выходные, чтобы быть мамой, другом, человеком, потому что в этих ролях достаточно творчества, и их тоже нужно развивать».

9. Выйти замуж за подходящего человека

Ширин Нешат и ее муж, писатель Шоджа Азари, сотрудничают во многих проектах. Фото Славена Влашича/Getty Images.

Мы продуктивны ровно настолько, насколько продуктивны окружающие нас люди, показывают социальные науки, поэтому важно мудро выбирать себе партнеров.«Мой первый муж был требовательным в отношении домашнего хозяйства, — говорит Томпкинс. «Я бы посоветовал иметь партнера, который искренне поддерживает то, что вы делаете, и уважает как ваше время, так и ваше пространство, чтобы побыть одному».

Нешат разделяет это мнение, говоря, что ее муж и соавтор Шоджа Азари — первый, к кому она обращается, когда у нее возникают проблемы с работой: «Он знает меня и мою работу лучше, чем кто-либо, кого я знаю, и обычно он очень прямолинеен. и всегда очень полезно».

10. Читайте книги — их много

Выдержки из списка чтения Ширин Нешат.

«Я читаю столько, сколько могу, потому что это помогает мне расслабиться и отвлечься от собственной работы», — говорит Нешат. «Я стараюсь не отставать от новых писателей. В данный момент я читаю «О красоте » Зэди Смит и Americanah Чимаманды Нгози Адичи».

Другие художники черпают вдохновение из истории. Чайлдиш читает Ведану, «древнеиндийский путь самопознания», в то время как Отеро любит листать редкие старые каталоги выставок.

«В последнее время я смотрю на XIX век, конец века, на проблемы, с которыми сталкивались художники, в частности, на борьбу женщин, и замечаю, как много изменилось, а что нет», — говорит Лиза Лу.

 

11. Нечетные часы работы

Художник за работой. Фото RODNAE Productions, общественное достояние Pexels.

Бакман чувствительна к смене часовых поясов, но во время путешествия из Лондона в Нью-Йорк она обнаруживает, что это может работать ей на пользу. «Я просыпаюсь на рассвете, медитирую, а затем иду в студию на несколько часов, пока никто не проснется», — говорит она. «В такие моменты я чувствую себя очень хорошо, и у меня появляется большая ясность. Я чувствую себя неудержимым, но спокойным, и мне часто хочется жить в таком ритме.

12. Доверяйте своим инстинктам

Билли Чайлдиш в своей мастерской. Предоставлено художником.

«Я могу рисовать и давать интервью одновременно, потому что я не рисую этой частью своего мозга», — говорит Чайлдиш. «Когда я иду рисовать, я должен подчиняться картине, а не своим желаниям».

«Что бы ни пришло на ум, это хорошо», — говорит Кондо. «Не думай, прежде чем работать, работай, прежде чем думать».


Следите за новостями Artnet на Facebook:

Хотите быть впереди мира искусства? Подпишитесь на нашу рассылку, чтобы получать последние новости, поучительные интервью и острые критические выводы, которые способствуют развитию беседы.

Чем занимается художник и как стать художником: шаги

Хороший художник зарабатывает на жизнь своим искусством и может создавать произведения для выставок, художественных галерей или интернет-магазинов. Разница между ремесленным художником и прекрасным художником заключается в уровне образования или подготовки. Художник считается прекрасным художником, когда его работа считается очень ценной, и он овладел своей техникой.

Посмотрите видео, чтобы узнать, что делает хороший художник.

Как стать художником

Многие художники продолжают свое образование, получая степень бакалавра или магистра изящных искусств. Курсы, которые может пройти художник, включают историю искусства, студийное искусство и основные предметы, такие как социальные науки, английский язык и естественные науки. Независимые школы дизайна и искусства также могут предлагать сертификаты по специальности, связанной с искусством, а также иметь программы младшего специалиста, бакалавра или магистра.

Национальная ассоциация школ искусства и дизайна (NASAD) в 2013 году аккредитовала около 330 школ и колледжей с программами дизайна и искусства.Вы можете проверить аккредитованные художественные учреждения через веб-сайт Национальной ассоциации школ искусства и дизайна (NASAD.org) (ссылка открывается в новом браузере).

Должностная инструкция художника

Художники-художники используют различные техники для создания произведений искусства, такие как ткачество, рисование, выдувание стекла или лепка. Они стремятся разработать новые методы или идеи для создания искусства. Они могут создавать искусство, чтобы послать сообщение через свою работу, вызвать споры или просто вызвать чувство у человека, наблюдающего за их работой.Они могут использовать живых людей или объекты в качестве ссылки на работу и руководить своей работой или работой инстинктивно. Художники должны выбирать подходящие материалы для своей работы. Визуальные элементы, такие как пространство, цвет, композиция и перспектива, используются для получения творческого эффекта, который они хотят передать. В зависимости от того, как эти художники зарабатывают на жизнь, им также может потребоваться разработать и обновить портфолио, чтобы продемонстрировать свои художественные способности, стиль и талант. Это может также включать онлайн-портфолио их работ.

Большую часть времени художники тратят на создание себе репутации и продвижение своего искусства. Только самый успешный художник может содержать себя за счет своего творчества. У некоторых прекрасных художников есть другая работа, например, в художественных музеях или художественных галереях. Другие могут преподавать искусство в школах или мастерских.

Актер интерпретирует и изображает персонажей, чтобы развлечь аудиторию на телевидении, в кино, театре и…

Аниматоры создают персонажей в видеоиграх, фильмах или других областях, оживляя их…

Что делает Архитектор?

Архитекторы проектируют такие структуры, как офисные здания, предприятия, стадионы, школы, торговые центры и жилые дома.Они могут…

Бесплатные ресурсы для учителей и учащихся

Знаете ли вы, что некоторые из самых впечатляющих музеев мира предлагают бесплатные виртуальные экскурсии? Некоторые экскурсии по художественным музеям, которые вам могут понравиться, включают онлайн-тур по Луву в Париже (ссылка открывается в новой вкладке) и онлайн-тур по музею Гуггенхайма (ссылка открывается в новой вкладке) в Нью-Йорке.

Цитаты статей

Бюро трудовой статистики, У.S. Министерство труда, Справочник по профессиональным перспективам, Ремесленные и изобразительные художники.

Национальный центр развития O*NET. 27-1013.00. О*NET ОнЛайн.

Видео о карьере находится в открытом доступе Министерства труда, занятости и обучения США.

Модификация и уничтожение произведений художников — Права художников

В прошлом художники в Соединенных Штатах практически не имели права защищать свои произведения от искажения, уничтожения или неправильного присвоения в случаях модификации их произведений.В 1990 году Конгресс внес поправки в Закон об авторском праве 1976 года, включив в него Закон о правах художников-художников (раздел 106A), который предусматривает права на указание авторства и физическую целостность определенных произведений искусства. Эти права (известные как «личные неимущественные права») распространяются только на «произведения изобразительного искусства», в том числе: 200 экземпляров или меньше, которые подписаны и пронумерованы автором, или, в случае скульптуры, в нескольких отливках, вырезаны или изготовлены, скульптуры из двухсот или меньше, которые последовательно пронумерованы автором и имеют подпись или другой опознавательный знак автора, или;

  • неподвижное фотографическое изображение, созданное только для выставочных целей, существующее в единственном экземпляре, подписанном автором, или в ограниченном тираже в 200 экземпляров или менее, подписанном и пронумерованном автором.

  • Раздел 106A озаглавлен «Права некоторых авторов на атрибуцию и целостность» и конкретно признает, что авторы произведения изобразительного искусства имеют право:

    • заявлять об авторстве этого произведения;

    • для предотвращения использования его или ее имени в качестве автора любого произведения изобразительного искусства, которое он или она не создавали;

    • для предотвращения использования его или ее имени в качестве автора изобразительного искусства в случае искажения, искажения или иной модификации произведения, которые могут нанести ущерб его или ее чести или репутации; и

    • , чтобы предотвратить любое преднамеренное искажение, искажение или другую модификацию этой работы, которая может нанести ущерб его или ее чести или репутации; и

    • для предотвращения любого уничтожения произведения признанного авторитета, и любое преднамеренное или грубо небрежное уничтожение этого произведения является нарушением этого права.

    Для произведений, созданных 1 декабря 1990 года или позже, неимущественные права VARA предоставляются на всю жизнь автора. Работы, созданные до этой даты, но все еще принадлежащие автору на эту дату, истекают одновременно с авторскими правами.

    Согласно закону VARA, в отличие от нарушения авторских прав, у художника есть повод для иска в федеральном суде, даже если его произведение не зарегистрировано в Бюро регистрации авторских прав. Однако, поскольку бремя доказывания на художнике уменьшается, а сумма денежного возмещения может возрасти, если произведение искусства зарегистрировано до нарушения, художник должен зарегистрировать свои авторские права как можно скорее.Художники должны понимать, что, хотя VARA устанавливает конкретные федеральные основания для действий, законы штатов часто обеспечивают дополнительную защиту.

    Полный текст Закона о правах художников-художников можно найти здесь.

    Carter v. Helmsley-Spear, Inc. — Художники подали в суд на владельцев за то, что они убрали заказанные ими скульптуры.

    Гарсия против Google —Актриса не предъявляет претензии в отношении авторских прав на видеоклип с ее исполнением, который позже был изменен и использован в более длинном фильме.

    Келли против Чикагского паркового округа — Келли возражал против изменения конфигурации Чикагскими парками его скульптуры из цветов под названием «Wildflower Works».

    Клейнман против города Сан-Маркос —Сан-Маркос потребовал от Кляйнмана удалить произведение искусства, сделанное из списанной машины, за нарушение закона об утилизированной машине.

    Серра против Управления общих служб США — Серре было поручено создать скульптуру для площади рядом с федеральным офисным комплексом.Правительство решило перенести работу, и Серра заявил о своих правах VARA.

    Войнарович против Американской семейной ассоциации —Войнарович пытался остановить брошюру Американской семейной ассоциации, в которой осуждалось финансирование NEA работ Войнаровича. В брошюру вошли кадры из фильма.

    Работа художника из Дублина выбрана для участия в проекте Flag Project в Нью-Йорке

    Питер Тонгет | Специально для Columbus Dispatch

    Если вам случится быть в Нью-Йорке в этом месяце, загляните в Рокфеллеровский центр и посмотрите.

    Там, вместо обычного набора флагов, представляющих нации со всего мира, вы найдете уникальную художественную группу флагов, развевающихся на ветру.

    В рамках ежегодного проекта «Флаг» Рокфеллер-центра, связанного с темой этого года «Только одна Земля», художников призвали присылать произведения искусства, прославляющие природу и пропагандирующие действия против изменения климата. Дизайн победителей превратили в флаги, которые будут развеваться в Рокфеллер-центре до начала мая.

    Проект был реализован в сотрудничестве с Программой ООН по окружающей среде и Музеем климата в Нью-Йорке.

    Одной из художниц, чьи работы были воспроизведены в форме флага, является жительница Дублина Гейнель Сломан.

    В феврале, прочитав в Интернете о проекте «Флаг», Сломан, плодовитый художник, который также занимался графическим дизайном и иллюстрацией, представила цифровое изображение акриловой и смешанной техники, которую она создала несколько лет назад. который первоначально назывался «Сообщение Хлои.Произведение было нарисовано после того, как кавалер Кинг Чарльз спаниель Сломана, Хлоя, скончалась в возрасте 12 лет. Я просто скучал по ней так сильно и так грустно», — сказал Сломан, который нарисовал картину, изображающую холмистые зеленые холмы, многие из которых заполнены яркими цветами в оттенках фиолетового и красного. Из-за пушистых облаков выглядывают арки радуги.

    Работа с новым названием стала частью проекта «Флаг».

    Сломан, который уже выставлял эту работу в центральном Огайо, сразу подумал, что картина может быть перепрофилирована как работа, подходящая для проекта «Флаг».Она переименовала произведение в «Радужные сны».

    «Я понял, что у меня есть эта картина, которая действительно была о весне, возрождении и обновлении», — сказал Сломан.

    Тиффани Лоусон: Изобразительное искусство: уроженец Колумбуса использует обычные предметы в экстраординарных художественных «собраниях»

    В середине марта Сломан узнала, что ее дизайн был выбран и будет превращен в флаг размером 8 на 5 футов. — захватывающая разработка для экологически сознательного художника.

    «Я очень люблю цветы, садоводство, кормление птиц, переработку и все такое», — сказала она.«Я просто думаю, что это действительно важно, и я хотел быть частью этого».

    Хотя официальные лица, выбирающие флаги для Рокфеллеровского центра, не знали предыстории картины с Хлоей, Сломан считает, что дух, с которым создавалась картина, должен был произвести впечатление.

    «Я думаю, что в работе сквозят эмоции, — сказала она.

    Сломан — уроженка Чарльстона, Западная Вирджиния, которая училась в Колумбийском колледже искусств и дизайна и три десятилетия живет со своим мужем Стивом в Дублине — не смогла присутствовать на открытии проекта «Флаг» 1 апреля. , но она надеется быть в Нью-Йорке, когда 5 июня, во Всемирный день окружающей среды, снова будут подняты флаги.

    «Мне бы очень хотелось увидеть это самому», — сказал Сломан.

    Это не первый случай, когда произведения искусства, созданные Сломаном, путешествовали далеко: в 1970-х и 80-х годах, во время правления бывшего губернатора Западной Вирджинии Джона Д. Рокфеллера IV, художник разработал рождественские открытки, которыми пользовались губернатор и его семья.

    «Эскизы и рисунки моих рождественских открыток были отправлены семье Кеннеди, — сказала она.

    [email protected]

    Краткий обзор

    Чтобы узнать больше о проекте Flag 2022 Рокфеллер-центра, посетите сайт www.rockefellercenter.com/events/flag-project-2022.

    Как копировать как художник – Might could Studios

    Вы когда-нибудь копировали работы другого художника? Вы чувствуете себя плохо, потому что вам трудно рисовать, не копируя работу другого художника? Многие начинающие художники думают о копировании одним из двух способов:

    • Копирование — постыдный поступок, его следует скрывать.
    • Копирование — неэтичное действие, которого следует избегать.

    Но вы, ребята, , нет ничего плохого в копировании, если вы следуете некоторым рекомендациям. И на самом деле есть много причин, по которым вам следует копировать . Путь почти каждого художника начинается с подражания другим художникам. Со временем опыт заставляет их исследовать и открывать свой собственный стиль и голос.

    Есть четыре основных намерения, которые побуждают людей копировать других художников. Давайте взглянем!

    Копировать для имитации + обучения

    «Подражание — это не просто самая искренняя форма лести, это самая искренняя форма обучения.— Джордж Бернард Шоу, драматург

    Очень часто новички в рисовании копируют другие произведения искусства. Это одна из тех вещей, которые все делают, но о которых никто не говорит, поэтому все думают, что они единственные. Я делал это сам в течение многих лет, и я готов поспорить, что вы тоже!

    Я провел большую часть своего детства, переписывая страницу за страницей «Покемонов» и «Сейлор Мун». Я пытался скопировать каждую форму, линию и цвет как можно ближе к оригиналу — я буквально копировал их. Не прослеживание, которое ничему не учит, а копирование, которое может многому научить.

    Скопировал, потому что хотел узнать, как аниматоры нарисовали всех этих любимых мною персонажей. Я хотел научиться рисовать с механической точки зрения: как мне двигать карандашом по странице, чтобы мои линии выглядели так? Только копируя снова и снова, снова и снова, я смог научить свою руку двигаться так, как я мог командовать.

    Этап «Моя копия для изучения» в основном происходил в 90-х годах, до того, как социальные сети или блоги взорвались, поэтому эти рисунки были помещены в папку с тремя кольцами и в основном хранились для меня.Теперь, в эпоху Интернета и социальных сетей, все немного сложнее с тем, что делать с этими рисунками. См. конец этого эссе, чтобы узнать о передовом опыте обмена скопированными произведениями искусства.

    Копировать, чтобы украсть + объединить

    «Если вы думаете, что мужчина рисует такие руки, какие вы хотите, украдите их. Возьми эти руки». – Джек Кирби, художник комиксов

    Но рисование — это не просто механические движения по странице. Когда мы рисуем, происходят и другие более глубокие вещи.Попытка нарисовать точные копии других произведений искусства отлично подходит для обучения нас правилам и принципам искусства. Но в какой-то момент, чтобы создать свое собственное оригинальное искусство, вам придется выбрать, каким правилам вы хотите следовать, а какие вы хотите выбросить в окно.

    Через какое-то время мне надоело копировать покемонов, и я подумал, что было бы здорово придумывать собственных существ-покемонов. И вот тогда мое намерение копировать перешло к следующему этапу. Когда я начал рисовать своих собственных существ-покемонов, , я все еще во многом копировал, но я больше не собирался подражать и учиться.Моим новым намерением было воровать и комбинировать.

    Я взял кусочки разных покемонов — глаза Джиглипаффа, ноги Бульбазавра, хвост моего любимого кота Элвиса — и смешал их вместе, чтобы создать совершенно нового покемона — моего собственного покемона. Я и не подозревал, что я был на пути к созданию своих первых произведений искусства.

    «Важно не то, откуда вы берете вещи, а то, куда вы их берете». –Жан-Люк Годар, кинорежиссер

    Если вы копируете что-то строка за строкой, стремясь к точной копии, вы не создали искусство.Вы только что сделали копию чужого искусства. Но если вы возьмете кусочки из разных источников и по-новому измените и соедините их, вы создадите нечто новое и оригинальное — вы создадите искусство.

    Копирование с намерением украсть начинается с искры вдохновения. Я любил и вдохновлялся художественными элементами покемонов, и моим намерением было создать что-то новое на основе этого вдохновения. Вот что такое искусство: взять идею, соединить ее с другими идеями в своей голове и создать новую идею.

    Невозможно не поддаваться влиянию окружающих нас вещей — это сама суть творчества. Все, что мы создаем, представляет собой смесь всего, что мы видели, слышали, чувствовали и испытывали. Все эти вещи вместе, от Покемона до Сейлор Мун и моей любимой кошки, составляют мое художественное влияние. И новые влияния постоянно впитываются в нас, становясь частью нашего постоянно развивающегося художественного голоса.

    Если бы я никогда не видел покемонов, я бы сегодня рисовал совсем по-другому.Если бы я никогда не читал « Дилемна всеядного животного» Майкла Поллана , я бы никогда не вдохновился на создание We Are Fungi . Эти влияния, вдохновение и акт копирования, чтобы украсть и объединить, являются неотъемлемой частью творческого процесса. Идеи создают идеи. Искусство создает искусство.

    «Нет ничего оригинального. Воруйте из любого места, которое резонирует с вдохновением или подпитывает ваше воображение. Поглотите старые фильмы, новые фильмы, музыку, книги, картины, фотографии, стихи, сны, случайные разговоры, архитектуру, мосты, дорожные знаки, деревья, облака, водоемы, свет и тени.Выбирайте для кражи только то, что говорит непосредственно с вашей душой. Если вы сделаете это, ваша работа (и кража) будет подлинной». – Джим Джармуш, кинорежиссер + сценарист

    Копировать в Honor + Играть

    « Те, кто не хочет ничего подражать, ничего не производят». – Сальвадор Дали, художник

    Мы, художники, часто чувствуем необходимость сесть и каждый раз рисовать что-то совершенно оригинальное. Но создание оригинального искусства требует определенного мышления, вдохновения и уровня энергии, и давайте будем честными: иногда этого просто нет.Итак, если мы стремимся рисовать последовательно (а вы, не так ли?), нам нужен способ рисовать, когда мы понятия не имеем, что, черт возьми, рисовать.

    Один из моих любимых методов рисования, когда у меня мало творческих способностей, — это копирование некоторых моих влияний. Мое намерение состоит в том, чтобы отдать дань уважения тому, что я люблю, и снять напряжение, связанное с рисованием чего-то нового — в основном, чтобы поиграть на странице.

    Это немного отличается от копирования, чтобы учиться, где я стремлюсь к подражанию и прямому копированию.И это немного отличается от копирования, чтобы украсть и объединить, когда я стремлюсь брать кусочки из разных источников, объединяя их в нечто новое. Копирование для игры более беззаботно. Есть только один источник влияния, но мой художественный стиль также присутствует в рисунке.

    Это похоже на популярный хэштег #DrawThisInYourStyle в Instagram. Художники предлагают произведение своего искусства другим художникам для копирования по-своему, изменяя линии, цвета и общий стиль, при этом указывая оригинального художника и произведение искусства.В этом методе художники недостаточно точно копируют произведение, чтобы учиться, и они недостаточно отклоняются от него или крадут из других источников достаточно, чтобы его можно было объединить. Он как раз посередине: он играет. Это интересный способ рисования, когда вы просто хотите рисовать.

    На самом деле у меня сейчас мало творческой энергии (привет, 8-й месяц беременности!), поэтому я создала тему #MightCouldDrawToday на этой неделе «Уоллес и Громит», британскую серию пластилина, именно с этим намерением.В течение недели мы будем смотреть на этих пластилиновых персонажей и рисовать их собственные версии в наших собственных стилях. Я намерен поделиться этим влиянием, которое я люблю, и дать себе (и вам, ребята!) творческий выход, к которому легко подступиться в упадническом настроении.

    До сих пор все эти методы копирования были хороши — они полезны и помогают нам развиваться как художникам во многих отношениях. Но что произойдет, если мы отойдем от намерений учиться, воровать и играть? Может ли копирование быть плохим?

    Копировать для плагиата

    » Копирование открывает вам глаза на новые возможности и новые техники… но попытка выдать это за свое — совсем другое дело.” – Луиза Банн, скульптор + художник

    Позвольте мне быть предельно ясным: плагиат — это неправильно. Согласно словарю Merriam Webster Dictionary , заниматься плагиатом означает «украсть и выдать (идеи или слова другого человека) за свои собственные; использовать (чужую продукцию) без указания источника».

    Вы можете подумать: значит, вы говорите, что копирование, воровство и игра — это хорошо, а плагиат — это плохо? Какая разница? Откуда мы знаем, где линия?

    Всегда возвращается к намерению.Мы говорили о копировании с намерением учиться, создавать что-то новое, чтить и играть. Но иногда человек копирует с намерением воспользоваться преимуществами другого художника. Или намерение пропустить тяжелую работу по созданию собственного оригинального искусства и выдать чужое искусство за свое. Или намерение нажиться на чужом искусстве.

    Существует так много ужасных историй о художниках, которые занимаются плагиатом. Иногда это случайный человек в Интернете, выдающий чужую работу за свою.Иногда это огромная корпорация, продающая вопиющие копии работ художника без их указания и оплаты, как, например, Тьюсдей Бассен и Зара на изображении выше.

    В любом случае плагиат неэтичен и ничего хорошего из него не выйдет. Это вредно для художника-плагиата, напрямую влияя на его карьеру и доход, и бесполезно для человека, занимающегося плагиатом, потому что они просто обманывают себя в истинном творчестве и не создают искусство, подлинное для себя.

    Влияния предназначены для создания вдохновения, а не бесчестной имитации. Я считаю, что копирование является важной частью обучения рисованию, но вы ДОЛЖНЫ быть честными с собой и другими в том, что вы делаете. Если вы копируете произведение искусства и публикуете его в Интернете, вам необходимо указывать оригинальное влияние.

    Если вы запутались или не уверены в своих намерениях, вот простая проверка интуиции, когда вы планируете поделиться своей работой: Чувствуете ли вы необходимость скрывать, кто или что повлияло на ваш рисунок? Если вы не хотите делиться своими источниками, то, вероятно, вы рисуете не с намерением учиться, создавать что-то новое или играть, и это может быть произведением искусства, которое вам следует держать при себе.Частные произведения искусства также могут быть источником обучения, и нам не нужно делиться всем, что мы делаем. Копирование становится плагиатом, только если вы пытаетесь выдать чужую работу за свою.

    Лучшие практики копирования

    Я думаю, что это может быть причиной того, что люди боятся признаться или говорить о копировании. Но пока вы честны с собой и другими, копирование может стать успешной частью эволюции любого художника. Вот несколько рекомендаций, о которых следует помнить при копировании, и особенно когда вы думаете о публикации иллюстраций, созданных в результате копирования:

    Обучение/Имитация + Почитание/Игра

    Если вы копируете произведение искусства с целью обучения или игры и хотите поделиться им в Интернете: укажите первоисточник. Пусть люди знают, что вы копируете, что вы копируете, и если не известную франшизу, такую ​​​​как Pokemon, кого вы копируете. Будь честным.

    Кража/объединение

    Если вы копируете произведение искусства с намерением украсть и хотите поделиться им в Интернете, подумайте: вы украли из достаточного количества источников и достаточно изменили исходные идеи, чтобы создать что-то новое? Если да, то круто, вы сделали оригинальный арт! Поделитесь!

    Если у вас было только одно влияние или вы не хотите показывать людям влияние вашего источника, потому что ваша версия слишком близка к оригиналу, или если вы не уверены: вы должны указать первоисточник/влияние/исполнителя.

    Плагиат

    Если вы копируете произведение искусства с намерением выдать чужое искусство за свое или получить прибыль от работы другого художника: НЕ ДЕЛАЙТЕ.

    Все, что вам нужно знать

    Копирование — это часть эволюции почти каждого художника. Копирование работы другого художника может быть прекрасным способом учиться, вдохновляться, черпать идеи, уважать влияние, которое вы любите, и создавать что-то новое. Все искусство представляет собой смесь идей, и мы все можем влиять и вдохновлять друг друга, если мы творим и делимся с честностью и прозрачностью.

    Так что учись, играй, кради, копируй, копируй, копируй и не забывай отмечать свое влияние!

    Я начал замечать что-то общее [всех моих любимых художников] — они все копировали друг друга… Я понял, что это то, что художники должны делать — общаться друг с другом на протяжении поколений, брать старые идеи и сделать их новыми (поскольку невозможно действительно «подражать» кому-то, не добавляя ничего своего), создать богатый, общий культурный язык, доступный каждому.Когда-то я видел это в фолк-арте, я видел это везде — в хип-хопе, в стрит-арте, в дадаизме. Я убедился, что душа культуры лежит в этих странных, непочтительных, но благоговейных движениях туда-сюда». –Уилл Шефф, певец


    Спасибо за внимание!

    <3,
    Кристина

    Описание работы визуального художника: зарплата, навыки и многое другое

    Проще говоря, художник создает искусство, такое как картины, скульптуры, видео и фильмы, звуковые произведения, рисунки, печатные работы, инсталляции и другие формы.

    Произведения искусства могут состоять из картин в рамах, сложных комнатных инсталляций или перформансов, которые будут выставлены, испытаны и / или проданы. Произведения искусства могут быть эфемерными, как дым или пар.

    Произведения искусства могут быть выставлены на открытом воздухе как паблик-арт или в помещении в художественных галереях, музеях, на двухгодичных выставках, художественных ярмарках и в других местах.

    Резиденции художников предлагают определенные типы оборудования для использования художниками, например, Frans Masereel в Бельгии, который предлагает студии, специально оборудованные для граверов.

    Некоторые художники, такие как Пикассо и Энди Уорхол, добьются огромного успеха, но в среднем художникам чаще приходится преподавать или выполнять другие виды работы, чтобы увеличить свой доход, особенно в начале своей карьеры.

    Обязанности и ответственность визуального художника

    Визуальный художник может работать на себя и иметь разнообразный график каждый день. Или они могут быть наняты графической фирмой, игровой компанией или студией, которая производит мультфильмы, среди прочего, и имеют более предсказуемый график и рабочую нагрузку.Обязанности могут включать:

    • Использование компьютерной программы для проектирования, создания и редактирования произведений искусства
    • Создание эскизов и моделей своих работ
    • Создание произведений искусства из чего угодно или из ничего. Художники-концептуалы и перформансы могут просто использовать свое тело для создания работы.
    • Использование дорогостоящих материалов и оборудования для выполнения работы, хотя некоторые художники могут использовать переработанные или найденные предметы, которые были бесплатными.
    • Использование различных материалов, таких как сварная сталь, резное дерево, цифровые изображения, масло на холсте, рисунки на бумаге, инсталляции из найденных предметов.Некоторые художники создают искусство из водяного пара или пчелиной пыльцы. Список оборудования ограничивается только фантазией художника.

    По мере того, как карьера художника начинает набирать обороты, художник может получать заказы на создание новых произведений искусства или регулярно продавать их через арт-дилера или собственную студию художника.

    Зарплата визуального художника

    Зарплата визуального художника варьируется в зависимости от уровня опыта, географического положения и других факторов.

    • Средняя годовая зарплата: более 101 400 долларов (25 долларов).42/час)
    • Топ-10% годовой зарплаты: более 48 960 долларов США (16,93 долларов США в час)
    • Нижние 10% годовой зарплаты: более 22 020 долларов США (12,4 долларов США в час)

    Источник: Бюро статистики труда США, 2017 г.

    Многие художники работают не по найму, и заработок самозанятых художников может сильно различаться. Некоторые художники берут очень низкие цены, пока они набираются опыта и создают поклонников для своих работ. Художники, которые становятся более известными, достигают точки, когда они могут брать больше денег за свою работу и зарабатывать больше, чем художники, получающие зарплату.

    Образование, обучение и сертификация

    Художник может начать в детстве, как Пикассо, или позже в жизни, как бабушка Мозес. Чтобы стать художником, вы можете быть полностью самоучкой, учиться у мастера-художника или посещать университет или художественную школу.

    • Образование: Хотя это и не требуется, диплом колледжа дает определенные преимущества, включая формальный метод обучения, который охватывает гораздо больше с точки зрения техники искусства, истории и другой информации, чем человек мог бы изучить самостоятельно.Степень также улучшает перспективы трудоустройства.
    • Портфолио: Образование дает художникам возможность заполнить свое портфолио, в котором собрана коллекция работ художника из различных курсов и проектов. Работы в их портфолио служат для демонстрации их стиля и диапазона способностей. Портфолио имеет решающее значение, потому что это то, на что обращают внимание арт-директора, клиенты и другие лица, когда решают, нанять ли художника или купить его работу. Многие художники также предпочитают размещать свое портфолио в Интернете, чтобы потенциальные покупатели и клиенты могли легко просматривать их работы в Интернете.

    Навыки и компетенции визуальных художников

    Люди, выбравшие эту профессию, получат преимущество, если они обладают определенными навыками межличностного общения или личными качествами, такими как следующие:

    • Художественные способности : Художники создают произведения искусства и другие объекты, которые имеют визуальную привлекательность или вызывают определенные эмоции.
    • Деловые навыки: Художники должны продвигать свое искусство и самих себя, чтобы завоевать репутацию и увеличить продажи своего искусства.Художники анализируют рынок своих поделок или произведений искусства, чтобы лучше понять, какой тип искусства может понадобиться потенциальным покупателям. Развитие присутствия в Интернете стало важной частью продаж для многих художников.
    • Креативность: Художники должны уметь придумывать и разрабатывать новые, оригинальные идеи для своих рабочих проектов.
    • Обслуживание клиентов и навыки межличностного общения: Художники, особенно те, кто продает свои работы, должны хорошо работать с существующими клиентами и потенциальными покупателями.Художники также должны взаимодействовать со многими типами людей, в том числе с коллегами или коллегами-художниками, владельцами галерей и публикой.

    Перспектива работы

    По данным Бюро статистики труда США, перспективы ремесленников и художников изобразительного искусства в следующем десятилетии по сравнению с другими профессиями и отраслями хорошие, хотя они во многом зависят от состояния экономики и от того, хотят ли люди тратить свои деньги на дискреционный предмет, такой как искусство. Во время экономических спадов продажи произведений искусства, как правило, страдают, а в хорошие экономические времена они идут гораздо лучше.

    Ожидается, что занятость вырастет примерно на 6% в течение следующих десяти лет, что немного медленнее, чем в среднем по всем профессиям в период с 2016 по 2026 год. Эти темпы роста сопоставимы с прогнозируемым ростом на 7% для всех профессий.

    Рабочая среда

    Некоторым художникам могут потребоваться огромные студии с большим производственным персоналом и тяжелым оборудованием, таким как сварочное оборудование, краны, стекловаренные печи, печи и многое другое, в то время как другим художникам может просто понадобиться небольшой офис для работы.

    График работы

    Большинство ремесленников и художников работают полный рабочий день, хотя неполный рабочий день и сменный график работы также распространены. В дополнение к своей работе в качестве художников многие имеют другую работу, потому что может быть трудно полагаться исключительно на доход, полученный от продажи картин или других произведений искусства. В периоды занятости художники могут работать долгие часы, чтобы уложиться в сроки.

    Как получить работу

    ПРИМЕНИТЬ

    Посмотрите на ресурсы по поиску работы, такие как Indeed.com, Monster.com и Glassdoor.com для доступных вакансий. Вы также можете посетить веб-сайты отдельных компаний, которые нанимают артистов, таких как Disney, Nickelodeon или компании, занимающиеся видеоиграми, чтобы подать онлайн-заявку на существующие вакансии.

     

    ПОСТОЯННЫЕ ПЛАТЫ

    Отказ — важная часть творчества художника, так что продолжайте в том же духе. Подать заявку на гранты и резиденции художников. Продолжайте связываться с галереями, чтобы показать свои работы. Продолжайте общаться и устанавливать связи. Максимизируйте свои возможности и продолжайте заниматься искусством.

     Сравнение похожих вакансий

    Люди, заинтересованные в том, чтобы стать визуальным художником, также рассматривают следующие карьерные пути, перечисленные с их средней годовой заработной платой:

    • Арт-директор: $92 780
    • Графические дизайнеры: $50 370
    • Мультимедийные художники и аниматоры: $72 520

    Источник: Бюро статистики труда США, 2017 г.

    Добавить комментарий

    Ваш адрес email не будет опубликован.