Содержание

Как раскрутить художника? |

«В повседневной жизни любовь можно выражать по-разному, но нужно помнить, что в мире искусства любовь всегда выражается деньгами». Алан Бамбергер

  В апреле 2012 года я предпринял попытку рассмотреть деятельность художника с коммерческой точки зрения. В результате получились две статьи из серии «Деньги для художника», которые можно прочитать здесь – часть 1, и здесь – часть 2. Изложенные в них выводы, основывались, главным образом, на собственном опыте, а так же на опыте моих коллег и друзей, занимающихся творческой деятельностью. Какие-то вопросы, касающиеся раскрутки художника в современных российских условиях, я затронул лишь отчасти, другие не затронул вовсе. Тем не менее, мне стало интересно, как эта проблема выглядит и с другой стороны, а именно – со стороны опытного профессионального арт-дилера, работающего с крупнейшими галереями США. Речь идет об известном американском арт-консультанте Алане Бамбергере (Alan Bamberger), высказывание которого я вынес под заголовок. Приведенный ниже материал основан на нескольких тематических статьях, опубликованных на персональном сайте Алана, и заключен в форму условного интервью с «начинающим художником». Текст перевел с английского Сергей Киреев, пунктуация и орфография частично отредактированы мной. Итак, размышления Алана Бамбергера:

Как найти агента, который бы представлял мои работы?

«Агент художника» – это, по большому счету, не более чем миф. Собственно говоря, именно арт-дилеры и художественные галереи выполняют функции агента и являются представителями художника и именно к ним нужно обращаться. Очень немногие художники пользуются услугами тех, кого можно было бы назвать агентами, представителями или скорее даже менеджерами. Однако речь идет только о достигших известности художниках, которые могут себе позволить нанять профессионала, поддерживающего внешние контакты с дилерами, галереями, музеями и покупателями.

Я регулярно рассылаю свои работы по галереям, но никто не проявляет к ним никакого интереса. Что я делаю не так?

Если вы обращаетесь к тем, кого вы не знаете и кто не знает вас и не знаком с вашим искусством, то у вас очень мало шансов на успех. Шансы не очень велики и в том случае, если вы пытаетесь обратить на себя внимание крупных галерей, будучи еще неизвестным художником даже на региональном уровне. Для начала нужно создать себе имя там, где вы живете и работаете, необходимо искать контакты с теми галереями, которые подходят вам тематически, уметь объяснить, почему именно вы и ваши работы им нужны.

Я пишу картины уже несколько лет, участвовал в нескольких групповых выставках, организованных местными галереями. Не пришло ли время обратиться в крупные галереи и попытаться провести персональную выставку?

Попытайтесь честно ответить на мой вопрос. Вот если вы в составе группы играете по вечерам в местных барах и клубах, вы станете обращаться в Мэдисон Сквер Гарден с предложением об организации собственного концерта? Мир искусства устроен так же, как и весь остальной мир. Вы поднимаетесь вверх, ступень за ступенью, а не перепрыгиваете через целые пролеты.

Стоит ли тратить деньги на выпуск цифровых репродукций (ограниченный тираж) своих работ?

Только в том случае, если ваше имя широко известно, а спрос на ваши работы так велик, что вы не успеваете его удовлетворять, продавая оригиналы. Или если ваши оригиналы настолько дороги, что покупатели не могут их себе позволить. Главным образом, репродукции покупают из-за имени, а художественная ценность репродукций всегда вторична. Люди читали о художнике, они слышали о нем, у всех друзей он есть, значит, и у меня должен быть. Это и есть список причин, побуждающих желание купить репродукцию. Кроме этого, рассматривая вопрос о выпуске репродукций, имейте в виду, что при наличии на рынке оригиналов ваших работ, вы начинаете конкурировать с самим собой. Обыватель всегда предпочитает более дешевый товар.

Стоит ли тратить деньги на вэб-сайт?

Стоит, но не следует тратить на интернет-страничку слишком много денег (при условии , что вы не страдаете от их переизбытка, конечно). Кроме того, если ваше имя еще не слишком известно, не рассчитывайте на скорое начало интернет-продаж. Проблема с привлечением трафика на новый сайт заключается в том, что люди еще не знают о вас и никто вас не ищет в интернете, ну или таких людей еще слишком мало. Поэтому лучше всего сделать простой, недорогой сайт и сочетать онлайн продвижение с традиционными формами, такими как личное общение с интересующими вас людьми. Хороший вэб-сайт для начинающего художника должен включать в себя пару слов о себе и своем искусстве, краткую биографию, резюме, фотографии ваших работ с ценами и контактную информацию. Ну и конечно, на вашем сайте не должно быть никакой ерунды, вроде флэш-анимации, музыки, мигающих каракатиц из серии «поймай меня». Когда я обращаюсь к сайту художника, мне меньше всего нужны пытки, созданные изобретательным вэб-дизайнером. Я хочу познакомиться с художником и видеть его творчество. Ни больше и ни меньше.

Стоит ли платить за возможность выставлять свои работы на известных тематических вэб-сайтах?

Возможно, только не платите много. Существует пара крупных сайтов, предлагающих бесплатное размещение. С них и начните. Остальные арт-сайты создаются для зарабатывания денег. И зарабатывают на них те, кто ими владеет, а не художники, пользующиеся услугами таких сайтов. Художники платят за размещение работ на сайте независимо от того, продаются их работы или нет. Таким образом, владельцы сайтов всегда в выигрыше. Счет: один-ноль в пользу сайта. Конечно, лучшие из таких сайтов хорошо продают работы художников, но кому принадлежат эти работы, владельцев сайта совершенно не беспокоит. Так, любому потенциальному покупателю, пришедшему на вашу страницу, незамедлительно будет предложено что-нибудь похожее на то, что делаете вы. Больших оснований оставаться на вашей странице у покупателя нет, и шанс, что он уйдет с вашей странички без покупки повышается. Это уже два-ноль в пользу сайта. Теперь учтите, что крупные арт-сайты представляют работы многих сотен художников, поэтому вероятность того, что кто-то обратит внимание именно на вас, не больше, чем выиграть джек-пот в Лас-Вегасе. Общий счет: три-ноль, не в пользу художника. Шансы будут значительно выше, если сайт согласится регулярно продвигать именно ваши работы, но, поскольку вы одни из многих сотен, то вам вряд ли стоит на это рассчитывать.

Имеет ли смысл арендовать выставочные площади в галереях, предлагающих такие услуги?

Все зависит от конкретной галереи. Есть галереи, расположенные к художникам, их цены невысоки, они предлагают полезные сопутствующие услуги, которые обеспечивают художнику необходимые контакты. Другие, напротив, чрезмерно дороги, преследуют только собственные интересы, их обещания щедры, но почти никогда не выполняются. Лучший способ понять, что собой представляет та или иная галерея – поговорить с художниками, которые пользовались или пользуются ее услугами. И сделать это ДО ТОГО, как вы заплатите за предоставляемые услуги.

Время от времени я получаю предложения разместить работы в каталогах и справочниках современных художников. Как утверждается, эти издания имеют многотысячные тиражи и распространяются на национальном и международном уровнях. Подача заявления на участие в каталоге обычно бесплатна, либо имеет символическую цену. Однако в случае подтверждения вашего участия в каталоге стоимость услуги резко возрастает, иногда до нескольких тысяч долларов. За эти деньги в справочнике разместят максимум двухстраничное эссе о творчестве и выделят место для несколько иллюстраций. Стоит ли принимать подобные предложения или нет?

Нет. Авторитетные, заслуживающие доверия справочники и каталоги, такие как «Кто есть кто в американском искусстве» («Marquis Who’s Who in American Art») или «Новая американская живопись» («New American Paintings Open Studio Press») не требуют денег за размещение информации на своих страницах. Однако вашу кандидатуру должны одобрить, и справедливости ради нужно отметить, что добиться этого ох как не просто. («Новая американская живопись» берет небольшой номинальный взнос, «Кто есть кто в американском искусстве» – абсолютно бесплатный). Те справочники и каталоги, которые требуют больших сумм за размещение информации, как правило, имеют многократно завышенные цены, и эти издания плохо распространяются. Это билет в одну сторону. Такие каталоги не имеют реального веса в мире искусства. Они хороши лишь для удовлетворения собственного тщеславия. Любой, направивший запрос в такой справочник, будет гарантированно принят. Почему? Да потому, что такие издания существуют только за счет тех тысяч и тысяч долларов, которые им соглашаются заплатить наивные художники. Так какой же смысл отказывать желающим? Правильно – никакого. А после включения информации о вас в такой справочник – какой смысл заниматься его распространением? Опять правильно – никакого. Вы ведь уже заплатили. Ко всему сказанному следует добавить, что за те суммы, которые требуют такие справочники, вы можете купить разворот в популярном глянцевом журнале по искусству, или оплатить создание очень добротного профессионального вэб-сайта.

Можете ли вы дать мне список галерей, агентов или коллекционеров, которых может заинтересовать мое творчество?

Идея, что кто-то, имеющий маломальский вес в мире искусства, начнет делиться информацией и контактами с совершенно незнакомым человеком – просто абсурдна. Начнем с того, что человек, к которому вы обращаетесь с подобной просьбой, не имеет ни малейшего представления о том, кто вы такой, что вы за человек, какой вы художник, на что вы способны и можно ли с вами работать. В мире искусства рекомендуют только тех художников, которых знают лично, и только тем дилерам или галеристам, с которыми, опять же, лично знакомы. Отношения в мире искусства строятся на доверии и личных знакомствах. Основа таких связей строится на долгосрочных и взаимовыгодных отношениях, нарабатываемых годами. Никто и никогда не станет рисковать своим авторитетом, раздавая контакты и списки имен незнакомым художникам. Рекомендации дают только, когда на это есть причины, и с совершенно определенными намерениями, когда предполагается вполне определенный сценарий развития событий, выгодный, в том числе, и рекомендующему. Рекомендации дают всегда и только, людям, которых хорошо знают.

Мои работы всем нравятся. Почему же они не продаются?

Тут все зависит от того, кого именно вы имеете ввиду под словом «все». Если это друзья и члены вашей семьи, то им скорее всего нравится все, что вы делаете (ну а если и не нравится, они никогда не признаются в этом). Попробуйте провести такой эксперимент: когда в следующий раз «все» станут хвалить ваше искусство, спросите их, какую конкретно из ваших работ они хотели бы купить, и сколько готовы за нее заплатить. В повседневной жизни любовь можно выражать по-разному, но нужно помнить, что в мире искусства любовь всегда выражается деньгами.

Стоит ли покупать список электронных адресов галерей и регулярно рассылать по этим адресам информацию о моем творчестве?

Это абсолютно пустая трата денег, и откровенный арт-спам. Вы ведь не знаете, кто составлял этот список, по какому принципу, какова тематика и направленность включенных в него галерей, подходит ли, хотя бы отдаленно, им ваш стиль и все что вы делаете и т. д. Станете ли вы подходить к каждому незнакомцу на улице с предложением купить вашу работу? А ведь это именно то, что вы собираетесь делать, покупая список электронных адресов. Ежедневно галереи получают десятки писем похожего содержания. Почему вы думаете, что галерейщик, выбрасывающий в корзину всю эту корреспонденцию, сделает исключение именно для вашего письма?

Я сделал пожертвование для благотворительного аукциона и моя работа была продана за хорошие деньги. Я поднял цены на остальные свои работы, но теперь ничего не могу продать. Что происходит?

На благотворительных аукционах люди отдают деньги на благотворительность, а покупка вашей работы является сопутствующим действием. Поэтому цены на благотворительных аукционах не имеют никакого отношения к реальной стоимости художественных работ – они могут быть как очень высоки, так и неоправданно низки. Большинство участников приходят на благотворительный аукцион, чтобы сделать пожертвование и людям безразлично, что конкретно станет поводом. В этой ситуации ваша работа всего лишь сувенир, который они уносят с акции.

Я предпочитаю, чтоб мое искусство само говорило за себя. Разве я не прав?

Может вы и правы, но только лишь в том случае, если создаете говорящие произведения искусства. Во всех остальных случаях говорить (или писать) придется вам самим. Это необходимо, для того, чтоб люди могли лучше понять и оценить то, что вы делаете. Здесь подойдет сравнение с театром. Представьте себе постановку, сыгранную на пустой сцене актерами, одетыми в современную городскую одежду, и ту же пьесу, с актерами в костюмах, соответствующих эпохе, среди красочных декораций. Согласитесь, что глубина восприятия будет разной, хотя текст пьесы тот же.

Следует ли мне описывать мое творчество, пользуясь терминологией принятой в искусствоведении, отмечая при этом его принадлежность к тому или иному стилю и направлению в искусстве?

Не всегда. Это оправдано лишь в тех редких случаях, когда собеседник разбирается в истории искусства. Большинство же людей недостаточно осведомлены в таких вопросах. Кроме того, те, кто разбирается в искусствоведении, не нуждаются в дополнительных пояснениях и могут самостоятельно сделать нужные выводы. Главным образом, люди хотят услышать вашу историю. Почему вы посвятили жизнь творчеству, как вы пришли к идее самовыражения через искусство, как вы работаете, что вы чувствуете, что вы пытаетесь донести до окружающих посредством вашего искусства? Простая история вашего пути – вот что интересует публику. Поэтому экскурс в историю искусства в большинстве случаев неуместен.

Уместно ли упоминание имен художников, повлиявших на становление моего творчества?

Нет. Если вы, например, отметите, что на вас оказал влияние Уорхол, то внимание незамедлительно переключится с вас на Уорхола. Упоминание известных имен неизбежно приводит к сравнению. Проблема в том, что чаще всего это сравнение бывает не в вашу пользу. Поэтому старайтесь фокусировать внимание на себе, и пусть критики сами подбирают сравнения – это их работа.

Мои преподаватели утверждают, что для художника единственным способом преуспеть является девиз: «идти вперед и создавать искусство!». Так ли это на самом деле так?

Профессора, которые забивают головы студентам такой бессмыслицей, на самом деле должны быть честнее со своими студентами и говорить им правду. А правда в том, что профессора не знают, как преуспеть, потому что их этому никто не научил, и если бы они знали, то, вне всяких сомнений, многие из них не стали бы преподавать в учебных заведениях. Я не нападаю на преподавателей. Нам очень нужна эта уважаемая профессия. Я лишь хочу сказать, что даже профессору не зазорно признать, что на свете есть что-то, чего он не знает. И это лучше, чем напыщенно призывать всех подряд «двигаться вперед». Художник может довольно быстро занять свою нишу на рынке художественных произведений, а может всю жизнь беспомощно барахтаться, не понимая его законов. Очень многие художники могли бы избежать многочисленных ошибок, если бы имели хотя бы самые общие представления о том, как этот рынок функционирует. В момент, когда художник выпускает свою работу за пределы мастерской, у работы начинается путь, который проходит любой другой товар на рынке и путь этот мало чем отличается от пути, по которому идут все товары. Превратить свою работу в товар и суметь продать этот товар очень важно для художника, который собирается существовать на свои заработки. Будем надеяться, что в художественных школах начнут изучать вопросы взаимодействия искусства и денег. И тогда выпускники этих школ будут лучше подготовлены к рыночной реальности.

Мне бы хотелось, чтоб на моем вэб-сайте было представлено как можно больше разных направлений, в которых я работаю. Мне кажется, это повысит шансы понравиться потенциальному покупателю. Ведь тогда, каждый найдет на моем сайте что-нибудь по душе. Разве не так?

Отвечу вопросом на ваш вопрос. Вы когда-нибудь видели на персональных выставках в престижных галереях разнообразие стилей или направлений? В галереях и на выставках все работы взаимосвязаны, и чаще всего – это вариации на одну и ту же тему, они объединены либо общей идеей, либо замыслом художника, либо тем, как они расположены или оформлены. Когда же вы загромождаете разнообразием стилей и техник свой вэб-сайт, вы попросту сбиваете людей с толку . Они не могут понять, в чем основа вашего творчества, что вы хотите сказать, куда движетесь. А люди, сбитые с толку, обычно не покупают картин. Это все равно, что зайти в магазин и увидеть, что там на одном и том же прилавке продаются бананы, дамские сумочки, моторное масло и товары для домашних животных. Увидев такое, вы скорее всего, развернетесь и выйдете из такого магазина.

Стоит ли мне размещать на сайте выборку работ, созданных в ходе всей моей художественной карьеры?

Это зависит от того, какую цель вы преследуете. Если вэб-сайт задуман как ретроспектива вашего творчества, тогда да. Но если задача сайта – продать как можно больше работ, или способствовать участию работ в выставках – тогда лучше сосредоточиться только на том, над чем вы работаете сейчас. Если вы все-таки хотите разместить некоторые из своих старых работ, то выбирайте те из них, которые органично сочетаются с вашими текущими работами, с теми, над которыми вы работаете в настоящее время, и обязательно отделите их друг от друга. Чем заметнее разница между старым и новым, тем аккуратнее нужно принимать решение. И еще, ведь вряд ли вам хочется привлечь потенциального покупателя к тому, чем вы уже не занимаетесь. И, пожалуйста, никогда не размещайте на вэб-сайте буквально все, что было когда-либо вами сделано, начиная чуть ли не с двухлетнего возраста!

Стоит ли выставлять на вэб-сайт уже проданные работы, чтоб подчеркнуть, как хорошо мои работы продаются?

Нет. Представьте, что вы зашли в магазин и хотите что-нибудь купить, а там большая часть товаров уже продана. Вам конечно говорят, что вам подберут что-нибудь другое. Но согласитесь, что у вас возникнет ощущение, что все лучшее разобрали уже до вас. Конечно, разместив уже проданные работы на вэб-сайте, художник произведет впечатление своим умением продавать, но помимо этого, создастся и другое впечатление – все стоящее уже продано, и выбрать можно лишь из того, что не взяли другие. Если хотите разместить на сайте проданные работы, делайте это грамотно и с конкретной целью. Например, покажите ваши многочисленные работы, проданные известным коллекционерам или крупным корпорациям, или организациям и институтам.

Я нахожу в интернете арт-дилеров, галереи, других, авторитетных в мире искусства людей, и рассылаю изображения своих работ по найденным адресам, не сопровождая письма текстом. Я считаю, что люди и организации захотят узнать больше, напишут мне, начнут задавать вопросы или предложат участие в выставках. Однако, пока ответов не приходило. Нет ли у вас соображений по этому поводу?

Из всех возможных способов, выбранный вами является безусловно и безоговорочно самым глупым (второй по глупости – это рассылать письма, начинающиеся словами «Дорогой сэр/ мадам»; третий – «Пожалуйста, посетите мой вэб-сайт и скажите, что вы думаете о моем искусстве»). Люди, которые получают такие письма (если предположить, что они их вообще открывают, чего, поверьте мне, многие из них не делают), удивляются и говорят себе: «Кто этот болван и что ему от меня нужно?». Представьте на время, что вы оставили карьеру художника и ищите другую работу. Делайте это следующим способом – отправляйте в компании свое резюме без каких-либо на то оснований и не давая в них никаких объяснений.

Вы рекомендуете выставляться на местном и региональном уровне и постепенно расширять географию выставок. Значит ли это, что мне нужно попробовать установить контакты со всеми галереями в моем регионе?

Нет. Не торопитесь представляться галереям, и особенно направлять всем запросы по поводу проведения выставок. Познакомьтесь сначала с галереями, изучите специфику каждой, узнайте, какое искусство они представляют. Сконцентрируйтесь на тех галереях, которые специализируются на работах, схожих по стилю с вашими, либо на художниках, похожих на вас по карьерным достижениям. Лучше всего это делать во время открытий выставок или в ходе других многолюдных мероприятий, когда вы сможете, не привлекая к себе внимания, осмотреться и оценить обстановку. Сначала проанализируйте всю собранную информацию, определитесь, что вам подходит, а контакты устанавливайте уже на следующем этапе.

Я бы хотел выставляться в некоторых галереях. С чего бы вы посоветовали начинать разговор, касающийся моего творчества?

Я бы мог написать дюжину статей на эту тему, но если коротко, (я очень надеюсь, что ваши работы по стилю подходят конкретной галерее, в чем вы убедились заблаговременно) то я бы сделал акцент на следующем. Сначала представьтесь, не торопитесь, убедитесь, что у собеседников есть время и желание с вами говорить. Если с этим все в порядке, тогда говорите, но только не о себе, а о них. Продемонстрируйте искренний интерес к галерее, покажите, что вы ее давний поклонник, а не просто еще один художник, пребывающий в поисках выставочных помещений. Если эти формальности успешно преодолены, кратко расскажите о том, почему вы думаете, что ваше творчество созвучно стилю данной галереи. Подтвердите свои доводы ФАКТАМИ. Изучите творчество художников, которые представлены галереей в настоящее время – чем больше будет фактов, тем лучше. Если вы благополучно справились и с этим, то вполне возможно, что ваши собеседники захотят увидеть ваши работы. Желаю удачи!

Я хочу запатентовать свои работы, чтобы никто не мог их копировать. Я собираюсь воспользоваться как можно большим количеством мер юридической защиты. Прав ли я?

Хорошо, вы хотите сказать, что вы что-то изобрели? Что конкретно? Новую химическую формулу для производства красок? Новое оборудование для производства картин? Я не специалист по патентному праву, но если вы ничего не изобрели, значит патентовать вам нечего. Права на ваши работы автоматически закрепляются за вами в момент, когда вы их создаете. На самом деле, здесь не о чем беспокоиться, вам не нужно документально ничего оформлять. Кроме того, следует помнить, что художник, который имеет репутацию склочника, или, хуже того, известен, как любитель обращаться в юридические инстанции, обречен на отторжение со стороны подавляющего большинства потенциальных дилеров, галерей и покупателей. Люди любят искусство за его свободу, за новые идеи, смелые концепции, за новые горизонты, которые оно открывает, и совсем не за то, что оно будет ограничивать нас юридическими условностями. Используйте юридическую систему только тогда, когда все другие меры исчерпаны.

Я не хочу выставлять свои работы в интернете, поскольку изображения могут украсть. Как я могу обезопасить себя от подобных краж?

Мой совет: купите пещеру и живите в ней до конца жизни; никогда и никому не показывайте ваши работы; не забудьте в завещании упомянуть место, где вы их спрятали, и тогда, после вашего ухода в лучший мир, кто-нибудь и где-нибудь непременно займется раскруткой и продажей ваших работ.

Стоит ли настаивать на подписании договора о неразглашении информации дилером, галереей или консультантом, прежде чем начинать переговоры?

Конечно стоит, и тогда вы, как художник, никогда и ничего не добьетесь!

Галереи не принимают мои работы.Что бы вы мне посоветовали?

Попробуйте поучаствовать в коллективных выставках и конкурсах. Попробуйте, совместно с другими художниками, арендовать выставочные площади. Можно попробовать выставляться в «не артистических местах», таких, как рестораны, кафе, закусочные, вестибюли гостиниц и фирм, парикмахерские, даже просто частные дома. Выставляйтесь везде, где можно показать работы. Пробуйте все, что возможно. Узнайте, не могут ли вам помочь друзья. Можно вывесить работы в публичных местах, в залах заседаний, в фойе кинотеатров и концертных залов. Ищите любые возможности. Чем больше людей увидит ваши работы, тем выше ваши шансы когда-нибудь попасть в галерею. Создавайте свое резюме терпеливо, строчку за строчкой, и каким бы незначительным ни казалось вам событие, скрывающееся за каждой такой строкой, все это в конечном счете сочтется и поможет вашей дальнейшей карьере.

На вэб-сайте я не указываю цен на мои работы. Я хочу, чтобы заинтересованные покупатели связались со мной лично, для уточнения всех подробностей. Правильно ли это?

Нет. Люди не любят спрашивать о ценах, поскольку они не хотят неудобно выглядеть, в случае, если цены окажутся выше их ожиданий. Понравится ли вам магазин, в котором нет ни одного ценника, и в котором вы будете вынуждены спрашивать цену всего, что вас заинтересует?

Стоит ли мне вести блог на вэб-сайте?

И да, и нет. Да, если вы пишете хорошо, регулярно и интересно. Тогда вы привлекаете внимание, формируете аудиторию поклонников, демонстрируете любителям искусства, что вы в них заинтересованы. Нет, если ваши заметки не связаны с темой сайта, и если они выходят с частотой раз в несколько месяцев, поскольку так вы показываете своим читателям, что они вам неинтересны, безразличны. Прежде чем начинать блог, нужно четко понимать, что ведение блога требует времени, усилий, настойчивости и регулярности. Если вы готовы придерживаться этих правил, результаты будут очень хорошие.

Я работаю в крупном формате, размеры моих работ колеблются в пределах от одного метра до двух. В связи с этим возникают многочисленные проблемы с организацией выставок и продаж. Есть ли какие-то способы справиться с такими проблемами? Есть ли галереи специализирующиеся на выставках работ большого формата?

Об искусстве большого формата следует знать, что люди, которые покупают крупногабаритные работы (и галереи, в которых они выставляются) в основном предпочитают, чтобы создателями таких работ были известные художники. Проще говоря, большие работы требуют «больших» имен. Некоторые галереи подбирают работы большого формата для корпоративных клиентов, для оформления просторных помещений, но такие работы должны соответствовать очень специфическим требованиям. Правда в том, что большинство покупателей работ большого формата делают это, чтоб произвести впечатление, а, как известно, наиболее сильное впечатление можно произвести известным именем автора. Поэтому, если ваша карьера еще на начальной стадии, и, если вы еще только формируете свое резюме, то имеет смысл подумать об уменьшении размеров ваших работ. Крупногабаритные работы хороши только тогда, когда они могут выгодно подчеркнуть достоинства работ меньшего формата – срабатывает так называемый эффект выгодного соседства. Мой вам совет: подумайте о создании работ среднего или малого размера, и не только потому, что они требуют меньше места для экспонирования и хранения, но и потому, что они более доступны в смысле их стоимости. И вообще, чем больше выбора вы предоставите потенциальным покупателям малогабаритных работ, особенно в самом начале вашей карьеры, тем лучше.

Не могли бы вы подсказать, что надо делать, чтоб в условиях нынешней экономики успешно продавать работы. В последнее время мне не очень везет.

Два ключевых фактора успеха – это упорство и решительность. Как бы трудно ни шли дела, показывайте всем, что вы здесь всерьез и надолго, и что всем надо с этим смириться. Когда-то, на заре своей карьеры, я любил поговорку – сто отказов, на каждый положительный отклик. Когда дела заходили в тупик, или когда кто-то в очередной раз предлагал мне остановиться и найти нормальную работу, я лишь удваивал усилия, чтобы доказать, насколько они неправы. И у меня получилось! И вот что мне нравится в нынешней экономической ситуации – прямо по пословице «нет худа без добра» – сегодняшняя экономика вынуждает художника самоутверждаться, показывать, на что он способен, не оглядываясь на обстоятельства, расширять горизонты, проявлять находчивость, изобретательность и новаторство. Для тех, кто ищет возможность самореализоваться и свободно творить, Америка по-прежнему остается лучшим местом на Земле. Эту привилегию надо использовать грамотно и с выгодой для себя.

Я планирую найти в интернете названия пары сотен галерей в крупнейших городах мира и отправить по найденным адресам открытки с информацией о моих работах. Каково ваше мнение на этот счет?

Вас интересует мое мнение? Забудьте об этой идее. Прежде чем выходить на международный уровень реализуйте себя там, где вы живете. И потом, для обращения к кому-либо у вас должна быть причина. Заявление вроде: «Привет, я художник, вот мои работы», – совершенно недостаточная причина для обращения в галерею. Обращение в любую галерею должно быть индивидуальным, и, что самое важное, вы должны быть в состоянии объяснить, почему ваши работы подходят для экспонирования в конкретно выбранной вами галерее. Проще говоря, факт того, что у галереи есть стены, а у вас есть работы и желание выставляться, не является достаточным основанием. Обращаясь к галерее, говорите не о себе, а о них. Если вы сможете доказать, что вы понимаете миссию этой галереи, ее стратегию, задачи, которые она ставит перед собой, если вы продемонстрируете знакомство с ее историей и с художниками, которых она представляет, и объясните, как вы и ваши работы вписываются в концепцию галереи, то только тогда вы будете иметь шанс на то, что вас заметят.

Я намерен записаться на бизнес-курсы для художников. Что вы думаете о моем решении?

Если и есть профессия, которая не может использовать общих законов ведения бизнеса, то это профессия художника. Поэтому вам, в первую очередь, важно убедиться, что тот, кто преподает на этих курсах, имеет вес и опыт работы именно в мире искусства, а не является одним из многочисленных менеджеров с научной степенью, парой лет опыта работы в какой-нибудь корпорации и самонадеянной уверенностью, что продавать картины так же просто, как и любой другой продукт.

Устанавливая контакт с галереями, должен ли я показывать им все свои работы?

Нет, вам следует показывать только то, над чем вы работаете сейчас. И если по замечаниям и вопросам вы почувствуете целесообразность, то можно показать те ранние работы, которые способствовали формированию вашего нынешнего творчества. Кроме прочего, убедитесь, что ваши работы сгруппированы по темам или сериям. Две, три, максимум, четыре крупных категории, каждую из которых вы можете ясно описать и прокомментировать. Показывая беспорядочно много работ, вы лишь сбиваете всех с толку – и себя, и галерею. Ваше интервью с галереей имеет две цели: показать свой талант и, что важнее всего, убедить галерею в том, что ваша миссия достойна интереса с их стороны. Эта вторая цель, более важна, чем демонстрация вашего таланта. Галереи интересуются привлекательными историями о художниках и их работах и уважают художников, которые твердо знают, что делают.

Недавно я услышал о международном конкурсе с большим призовым фондом. К участию приглашаются все художники, на любом уровне их карьеры. Я начинающий художник и у меня нет серьезного резюме. Стоит ли мне принимать участие в конкурсе?

Для верной оценки любого конкурса нужны факты. Сколько лет существует конкурс? Кто его последние победители (особенно с резюме, похожими на ваше)? Сколько участников? Каковы цифры по продажам? Известны ли имена членов жюри, и имена спонсоров? Какие музеи и галереи стоят за организаторами конкурса? Что пишут о конкурсе пресса и критики? Очень важны электронные и почтовые адреса, телефонные номера и прочая конкретная информация, которая позволит вам связаться и проверить все, что говорится и пишется о конкурсе? Собрав всю необходимую информацию, звоните, пишите, направляйте запросы. Ваша задача состоит в том, чтобы убедиться, что конкурс известен и имеет авторитет в мире искусства. Если все, что вы получаете в ответ на запросы, это общая и ничем не подтвержденная информация, или расплывчатые обещания связаться с вами когда-нибудь, позднее, то, вероятно, вам следует пропустить этот конкурс и дождаться следующего. Никогда не подавайте свои работы на конкурс раньше, чем соберете о нем полную информацию, иначе вы рискуете напрасно потратить свое время и деньги. И уж коли мы заговорили на тему конкурсов, а также в качестве информации для тех из вас, кто любит цифры, следует заметить, что прослеживается обратная зависимость между уровнем конкурса и той суммой, которую должен заплатить его участник. Другими словами, чем больше сумма, которую вас просят заплатить за участие в конкурсе, тем меньше вероятность того, что в конкурсе вообще стоит участвовать.

Стоит ли мне нанимать художественного инструктора?

Мне всегда было интересно, кто же это такой, художественный инструктор? Это некто, кто говорит вам, как сконцентрироваться на работе? Или может, он научит вас, как заглянуть внутрь себя и увидеть свою истинную сущность? Для успеха вам, как художнику, необходимо точное понимание того, как создавать свои работы, и как их продвигать и продавать. Все, что вам нужно – практические инструкции, которые вы могли бы использовать, и отнюдь не праздные разговоры. К примеру, вы можете сходить на курсы живописи, поучаствовать в семинаре или в дискуссии, посвященным конкретным аспектам арт-бизнеса или творчества. В любом случае, что бы вы ни делали и кого бы не нанимали, убедитесь, что, в обмен на свои деньги, вы получите осязаемый результат, т. е. навык, метод, технику, подход, и что ваш преподаватель имеет достаточный авторитет и квалификацию в интересующей вас области.

Мой консультант утверждает, что он может посодействовать тому, чтобы мои работы были приняты к участию в престижных конкурсах. И возможно даже, что с его помощью я начну выставляться в музеях. По его словам, он научит меня правильно составлять письма, использовать специальные методы работы, которые позволят моим картинам предстать в выгодном свете перед авторитетными людьми из художественного мира. Как вы можете прокомментировать эту информацию?

Если вы полагаете, что участие в музейных выставках является результатом правильно написанного письма или использования каких-либо особых методов работы с кураторами, то вам пора переосмыслить ситуацию. Единственно возможный, известный мне способ попадания работы в музей, лежит через повышение качества этой работы. Вы, как и любой другой художник, постепенно поднимаетесь по карьерным ступеням. Вы сами формируете карьерную базу своим участием в выставках, повышением продаж, интересом к вашему творчеству критиков и прессы. И в какой-то момент музеи начинают замечать вас. Поверьте, нет никаких специальных способов сделать этот процесс короче.

Подскажите, как «сделать» себе имя?

Показывайте свои работы как можно большему количеству людей. Чем больше и чаще люди видят ваши работы, тем быстрее они запомнят ваше имя. Регулярная, постоянная и целенаправленная демонстрация работ ничем не отличается от коммерческой рекламы. Чем чаще упоминаются ваши работы, тем лучше публика знакома с ними, а это в свою очередь повышает вероятность того, что люди захотят узнать о ваших работах больше, ну, и возможно, начнут покупать их.

Как мне улучшить связи с миром искусства? Я не самый общительный человек…

Здесь прослеживается прямая зависимость с ответом на предыдущий вопрос. Художнику необходимо быть на публике как можно чаще. Посещать открытия выставок, семинары, лекции, местные музеи, проводить время там, где общаются люди искусства, где они обмениваются мнениями и обсуждают проблемы. Не беспокойтесь о том, что будете неловко выглядеть или неудобно себя чувствовать. Вы не обязаны говорить или делать то, что вам не по душе. Просто расслабьтесь и приятно проводите время. Все, что вам нужно, это показать себя, и очень скоро вы заметите, что люди начнут узнавать вас, подходить к вам, знакомиться, представляться, задавать вопросы. И, хотите верьте, хотите нет, но очень скоро то же самое начнете делать и вы. Именно так зарождаются контакты и связи в мире искусства.

Как мне словесно описать мою работу людям, которые никогда не видели моих картин? У меня не очень получается говорить о собственных работах…

Говорите просто и ясно, и пусть те, с кем вы говорите, подсказывают вам направление, в котором должна продвигаться беседа. Ориентируйтесь на те проблемы и вопросы, которые интересуют ваших собеседников. То, что волнует только вас, может и подождать. Старайтесь отвечать на вопросы как можно более прямо и информативно. Не уводите беседу в сторону и не отвечайте на вопросы, которых вам не задавали. Никогда не загружайте собеседника своими познаниями в истории искусств. Воздержитесь от менторского тона и от профессорской лекции . Пресыщение информацией, как правило, означает конец разговора, а Ваша цель – завязать общение, инициировать интерес к вашим работам, и сделать это можно только говоря на языке собеседника, давая ему ровно столько информации, сколько необходимо для поддержания его интереса к вам. Кстати, если вы чувствуете неловкость, когда говорите о своем творчестве, попрактикуйтесь дома или с кем-то из друзей. Рассказывайте о себе хоть стенке, хоть плюшевому мишке. Чем больше будет практики, тем лучше будет получаться, и тем свободнее вы будете себя чувствовать в общении с малознакомым собеседником».

«Как продвинуться начинающему художнику?» – Яндекс.Кью

1. Публикуйте свои работы. Самый верный способ стать знаменитым — это заявить о себе. 21 век позволяет вам создавать онлайн-портфолио, редактировать работы — пользуйтесь этим преимуществом. Очень важно использовать все, что в вашем расположении, чтобы построить свою репутацию.

  • Ежедневно обновляйте информацию в своем онлайн портфолио. Добавляйте фотографии процесса создания и финальные варианты.
  • Посетите как можно больше галерей и постарайтесь познакомиться с владельцами. Не обязательно для того, чтобы продвигать свои работы, а для того, чтобы познакомиться с другими художниками. На продвижение работ у вас еще будет время.
  • Создайте аккаунт на Facebook или Instagram для ваших работ. Знакомьтесь с помощью cоциальных сетей с другими художниками, отмечайте выставки как понравившиеся и вступайте во всевозможные сообщества.
  • Регулярно пишите в Твитере об искусстве. Подпишитесь также на обновления других художников и галерей, комментируйте их твиты. Так вас увидят другие люди и тоже подпишутся на вас.
  • Создайте профиль на Flickr (или любом другом ресурсе, который можно найти в поисковике) и публикуйте свои работы там. Это довольно активное сообщество, с помощью которого вы сможете сделать свое имя узнаваемым и познакомиться с другими талантливыми художниками.

2. Участвуйте в конкурсах. Начните с конкурсов студенческого уровня и небольших местных конкурсов.

  • Проводите воркшопы (семинары). Это не только прославит вас, но и покажет, что вы мастер своего дела.
  • Совершенствуйте свои умения, пока не попадете на более серьезный, национальный, международный конкурс.
  • Принимайте участие в конкурсах с судейством. Попасть на такой конкурс — большое достижение, это будет выгодно смотреться в вашем резюме. Если вы участвовали во многих таких конкурсах, то в резюме указывайте только самые значимые.
  • В Telegtam есть достаточно сообществ, которые публикуют анонсы о международных и российских конкурсах.

И главное любите то, чем Вы занимаетесь! Если у Вас будут вопросы пишите мне в Telegram (ссылка возле моего имени). Удачи и успехов Вам!

Как художнику продвигать себя в Интернете и зарабатывать деньги | Обучающий портал Navika Navika.Pro

Дата публикации: 11 сентября 2019 г.

 

Какими способами художник может заработать на своем творчестве, какими должны быть картины, чтобы их покупали, как выбрать способ продвижения, подходящий именно вам, и почему не надо надеяться только на Интернет, рассказывает художница Татьяна Игнат.

— Скажите, Татьяна, продажа картин чем-то отличается от продажи других товаров?

— Все покупки делятся на эмоциональные и рациональные. Приобретение картины — это самая настоящая эмоциональная покупка. Сложно представить, что кто-то будет составлять список: «Купить: масло, сыр, носки, портрет жены… или пейзаж с тюльпанами». Поэтому нужно понимать, что иногда люди и не собираются покупать картину. Или они, конечно, любят картины, но оставили это решение на потом. А потом они будут настолько впечатлены именно вашей картиной или вашим талантом, что они вот уже и совершают покупку. И чтобы так случилось, ваши картины должны быть в открытом доступе, их должны видеть.

— Сейчас так много картин. Как определить, где уже искусство, а где еще работа дилетанта? Чем отличаются картины профессионалов от любительских картин?

— Отличаться они будут не цветовой гаммой и даже не сложностью композиции, как может показаться на первый взгляд. Мы же живем в материальном мире. Отличаться они будут сразу простым банальным качеством! Причем при покупке может быть еще не видно, насколько качественно выполнена картина, это проявляется через 3–4 года.

Вы, художник, должны быть уверены, что грунт не осыплется, подрамник не поведет, краски не пожухнут, иначе впоследствии покупатель будет разочарован. А все знают, что довольный клиент приведет еще два-три заказа, а недовольный — уведет сотню. От приобретения плохой картины впечатление будет испорчено надолго.

— То есть сарафанное радио работает?

— Да, конечно, не стоит списывать со счетов этот древний и известный способ передачи информации. Очень много заказов приходит именно благодаря личному общению!

— Как и когда лучше начинать продвижение в Интернете?

— Советую всем новичкам и начинающим художникам не ждать, когда на вас сойдет гениальность или вы нарисуете какую-то невообразимо прекрасную картину.

Как начали обучение в художественной школе, индивидуально у художника или в университете, а может, вы и до этого рисовали, так сразу и заведите себе страничку и выставляйте все: все работы, плохие, хорошие, лучшие, худшие.

Конечно, лучше, чтобы работы нравились хотя бы вам самим, потому что тогда у них есть шанс запасть в душу кому-то еще. Все в точности как у людей: если вы сами себе не нравитесь, как собираетесь понравиться другим?

С ростом мастерства и количества работ будет расти и число ваших подписчиков, поклонников вашего таланта и картин.

— Как можно продвигать свои работы в реале?

— Очень рекомендую завести себе обычный альбом с фотографиями своих картин, эскизов и замыслов, кадрами вас в мастерской. По возможности чаще берите его с собой или возите в машине. Тем более у художников обычно с фантазией все в порядке, они могут даже из простого фотоальбома сделать затейливую авторскую вещицу, которую будет хотеться брать в руки и подолгу перелистывать. Например, пришли вы в гости и уже сразу не с пустыми руками, познакомились с новым человеком, а у вас и портфолио картин при себе. Ведь мы не знаем заранее, где могут ждать нас заказы.

Фото в «Инстаграме» — это тоже хорошо, пусть их тоже будет побольше. Но когда люди с интересом разглядывают яркие бумажные фото с вашими картинами, они буквально прикасаются руками к вашему творчеству. Это обеспечивает вам не только визуальный контакт, но и тактильный, они буквально могут «потрогать ваше искусство». Гарантирую: равнодушными останутся единицы!

— Стоит ли художнику бояться конкуренции?

— Как думаете, почему я так легко делюсь с читателями своими профессиональными секретами? Потому что я точно знаю, что конкуренция — это вымышленное понятие, тем более в искусстве.

Когда вы хотели прочитать Пушкина, он конкурировал у вас с Достоевским или Чеховым? Вероятно, вы с удовольствием читали и того автора, и другого, и третьего. Так и в живописи: если вы действительно выражаете себя, то ваши картины уникальны, им нет равных, значит, и конкурировать не с кем.

— Можете немного рассказать о том, как продавать через интернет-галереи?

— Интернет-галереи делятся на несколько групп: российские и иностранные, платные и бесплатные, крупные порталы и небольшие сайты.

Российские или иностранные? У всех есть свои плюсы и минусы: в российских веб-галереях стили картин ближе к реализму, на иностранных сайтах больше абстракции, авангарда, кубизма и т.д. Конечно, логичнее выбирать веб-галереи, которые больше подходят к вашему стилю письма или к вашей тематике.

Платные или бесплатные? Если ваша цель — заработать, а не потратиться, то справедливо регистрироваться на бесплатных, тем более что они ничем не отличаются от платных.

Мелкие или крупные? На крупных порталах, конечно, много покупателей, но много и продавцов. Обычно такие сайты очень известны, у них налажена система рассылки, есть рекламные предложения и другие инструменты для раскрутки сайта и привлечения клиентов. Но ваши картины могут быть незаметны именно из-за большого количества информации. На таких сайтах нужно очень тщательно продумывать и подбирать ключевые слова.

Из плюсов: сюда заходят именно для приобретения произведения искусства много людей, разовых потенциальных покупателей и профессиональных коллекционеров.

Из минусов: слишком большой выбор, в котором личность художника стирается, в памяти остаются только фото картин, картин, картин. Особенно нет времени задумываться над композиционным замыслом, цветовой нагрузкой, даже описание не всегда успеешь прочитать, их слишком много.

— Как художники создают свое сообщество в соцсетях?

— Другой способ — это быть ближе к людям. Вести свой блог, страничку в соцсетях или канал на YouTube. На вашей страничке будут собираться именно почитатели вашего таланта и вашего творчества.

Самые общие рекомендации:

— чем качественнее и интереснее будет страничка, тем больше потенциальных клиентов можно привлечь;

— страничку нужно вести регулярно, ведь Интернет полон интересных вещей, если вести блог время от времени, о вас скоро забудут;

— обязательно указывайте, что ваши картины можно приобрести, вы принимаете заказы на живопись и открыты к сотрудничеству и бизнес-предложениям. Это может быть очевидно для вас, но посетителям страницы может и в голову не прийти мысль о покупке;

— при первой возможности советую доверить свою раскрутку в Интернете профессиональным интернет-маркетологам. Пусть каждый занимается своим делом.

— Как выбрать свой способ продвижения?

— Способов продвижения себя как художника существует много. Как выбрать из них самые эффективные, чтобы не потратить силы на продвижение напрасно? Ведь вместо того, чтобы постить никому не нужные видео в Сети, вы могли бы написать за это время много красивых картин!

Критерий выбора очень прост: вам должны нравиться не только цель, но и способ ее достижения.

Если вы и так любите снимать все на видео, то ведение своего YouTube-канала — это именно ваш способ продвижения.

Если обожаете заполнять страницы интернет-галерей, то, возможно, большее количество покупателей найдут вас именно там. И, наоборот, если при регистрации в интернет-галереях вы испытываете мучения, вас не покидает мысль, что это очень скучно и, возможно, еще и напрасно, то лучше оставить этот способ другим.

— Каким должен быть правильный «боевой настрой»?

— Наше психологическое состояние — это то, что невозможно потрогать, сложно описать, но оно стопроцентно оказывает влияние на нашу жизнь. Если вам срочно нужны деньги и вы в панике ждете: «Ну когда же я уже продам картину или получу заказ?» — то ваше состояние тревоги может препятствовать продвижению. А если картины вы пишете легко, потому что у вас есть другой дополнительный источник дохода и вы в любом случае спокойны и уверены, что все у вас будет хорошо, то и продажи не заставят себя ждать.

— Можно ли продавать картины без Интернета?

— О продвижении в Интернете написано много. Хочу добавить, что не стоит ограничиваться только этим способом приобретения популярности. Выходы в офлайн никто не отменял. Здесь все зависит от вашей коммуникабельности и фантазии. Ведь никто не будет спорить, что картина, увиденная вживую, производит намного более яркое и неизгладимое впечатление, которое надолго остается в памяти, чем пусть даже самое качественное фото или видео.

Можно проводить выставки в ресторанах, кафе, библиотеках и бизнес-центрах, моллах, причем абсолютно бесплатно. Даже наоборот — сама администрация зданий будет рада, что у них стало живее и многолюднее, все зависит лишь от того, умеете ли вы договариваться, находить убедительные аргументы, а также насколько хороши ваши картины. Это самое главное.

Как продвинуть свое искусство: советы арт-менеджера

В студии Art of You на Патриарших прудах, в отличие от множества подобных проектов, учат не просто рисовать, но и продвигать свое искусство. Помимо курсов арт-терапии, рисунка маслом или скетчинга здесь проводят индивидуальные занятия с арт-менеджером. Чтобы разобраться, зачем вообще молодому художнику нужен этот специалист и стоит ли услуга финансовых вложений, мы пообщались с главой департамента арт-менеджмента Art of You Светланой Филаретовой.

— Что такое арт-менеджмент?

— Управление проектом в сфере искусства — сюда входит продажа картин, создание и продвижение творческих коллабораций, организация локальных и международных выставок. До того как вы продадите первую работу, придется проделать огромный путь: поработать над именем, позиционированием, оформить и «упаковать» в понятный для зрителя формат.

Важно подготовить аудиторию: получить одобрение экспертов и лидеров мнений из мира искусства. Арт-менеджер — посредник между художником и целевой аудиторией, который способен эффективно организовать все бизнес-процессы.

Важно понимать, что арт-менеджмент — это не только про выставки и художников, это могут быть и проекты из сферы моды или дизайна, междисциплинарные слияния и открытие новых направлений работы. 

Тот же арт-менеджер отвечает за планирование и распределение финансов, поиск партнеров и спонсоров и вообще успех всего предприятия: начиная от логистики и заканчивая получением обратной связи от гостей и заключением контрактов с клиентами.

Как продвинуть свое искусство: советы арт-менеджера (фото 1)

Пит Мондриан, без названия; Нью-Йорк I

— Какими качествами должен обладать арт-менеджер?

— Это прежде всего коммуникабельность и организованность. На сегодняшний день единственный работающий канал продаж и продвижения — это умение выстраивать коммуникации, договариваться, знакомиться, просто быть приятным и интересным собеседником, с которым хочется общаться и узнавать про новые проекты. 

Организованность — это про сроки: все меняется очень быстро, если не успеть сделать и реализовать идею сегодня, завтра за нее возьмется кто-нибудь другой. Особенно печально, если у вас была хорошая задумка, но вашей команде не хватило сил и времени сделать ее масштабной — потом более крупные игроки могут взять ее себе, масштабировать, и о том, что изначально она была вашей, не узнает никто. 

— Можно ли успешно запустить проект без огромных стартовых вложений?

— Важно понять, что мы имеем в виду: галерейный бизнес, реализацию творческих проектов или запуск новых направлений. 

Галерейный бизнес и продвижение художника без капитала сейчас сложно представить, однако капитал можно привлечь и от спонсоров. Часто если галерея соглашается с вами сотрудничать, то и затраты на продвижение берет на себя. Однако проблема в том, что многие галереи работают со своими художниками и редко обновляют их ряды.

Как продвинуть свое искусство: советы арт-менеджера (фото 2)

Пит Мондриан, Цветы. Солнце; Композиция № 11

Если говорить про старт нового проекта, например запуск линии одежды, то нужно посчитать основные затраты: выпуск минимальной серии и стоимость продвижения. Любой проект нужно тестировать на малых оборотах: проверить спрос, получить обратную связь клиентов, если нужно, внести изменения. Не стоит вкладывать большие деньги в продвижение, если процессы не отлажены и не получена обратная связь. Если следовать этому совету, затраты на первую коллекцию должны быть минимальными, но, если правильно наладить каналы продаж, получится не только окупиться, но и заработать средства на новый пошив в больших объемах. Я за маленькие окупаемые шаги, все крупные мероприятия и вложения стоит делать тогда, когда продукт уже приносит доход.

— Нужна ли начинающему большая команда? Что нужно отдать на откуп профессионалам, а что лучше делать самому?

— Из моей практики — успешный проект это всегда команда единомышленников, которая видит и понимает общие цели и миссию. Команда, которая не соглашается на компромиссы и хочет для своего проекта только лучшего. 

Как продвинуть свое искусство: советы арт-менеджера (фото 3)

Пит Мондриан, Красная мельница; Композиция С (№3) 

Я считаю, что каждый должен заниматься своим делом: продавцы — продавать, бухгалтеры — делать расчеты, маркетологи — продвигать, а художники — творить. Это правило поможет сберечь нервы (да и время), ведь творить не получится, если вы постоянно в стрессе. Своим клиентам мы всегда рекомендуем выписать, что бы они хотели делать сами и в чем разбираются, а что готовы делегировать. 

Посмотрим правде в глаза: художники — не бизнесмены, и нужно ли им это? Ведь есть те, кто делает это профессионально. 

Все затраты и окупаемость привлеченных специалистов можно и нужно просчитать заранее. Если у вас ограниченный бюджет, начните с простых шагов, например, продвижения в социальных сетях. Сейчас даже галереи следят за новыми именами именно там. О том, как работать в социальных сетях, сейчас много доступной информации, этим можно заниматься и самостоятельно. 

— Каковы самые распространенные ошибки молодых художников?

— Одна из главных ошибок — либо в уверенности, что все слишком замечательно и автор не нуждается в дополнительных знаниях, либо, наоборот, в неуверенности в своем проекте и шансах на успех. Все это от нехватки стороннего мнения специалиста. Можно много размышлять о том, насколько плох или хорош проект, но важнее узнать адекватное мнение профессионала рынка, понять перспективы и получить конструктивную критику. 

Как продвинуть свое искусство: советы арт-менеджера (фото 4)

Пит Мондриан, Амариллис; Композиция А

Смотреть нужно шире: есть вы и ваше творчество, но есть еще и контекст, в котором вы хотите его представить, а также общая ситуация в мире. 

Бизнесмен и художник в одном лице — идеальное сочетание, но довольно редкое. Если вы скорее относите себя к творцам, то начните работать с арт-менеджером, это освободит вас от большей части организационной работы и поможет спокойно творить.

— Какие общие рекомендации можно дать начинающему художнику?

— Верьте в себя и совершенствуйтесь, прислушивайтесь к мнению тех экспертов, которым доверяете, общайтесь и учитесь выстраивать социальные связи, говорить о себе, своем творчестве и своем деле. 

Бонус: 15 советов для будущего успешного художника

Команда

  • Соберите команду, с которой вы мыслите в одном направлении. Проверьте, правильно ли вы понимаете, чего хотите от проекта.
  • Если делать, то делать качественно и профессионально. Если обещать, то выполнять. А еще уметь договариваться.
  • Сталкиваясь с трудностями, научитесь быстро мобилизовываться и принимать решения. Всегда ищите новые возможности и будьте гибкими.

Маркетинг

  • Поймите свою целевую аудиторию и научитесь говорить с ней на одном языке.
  • С аудиторией нужно общаться как можно чаще, здесь помогут офлайн-мероприятия.
  • Будьте настоящими. Важно понять все свои сильные и слабые стороны, а также отличия от конкурентов.

Менеджмент

  • Ваши цели должны соответствовать вашим внутренним ценностям. Делайте то, чего действительно хотите.
  • Учитесь планировать и делите большой путь на маленькие шаги.
  • Контролируйте сроки.

Дизайн и стиль

  • Визуализация проекта — это ключ к его успеху. Общайтесь с исполнителями, проверяйте, понимают ли они вашу идею. Делайте все как можно легче, проще и понятней.
  • Ваш дизайн должен сказать как можно больше о вас.
  • Ваша позиция должна прослеживаться во всех аспектах вашей жизни. Найдите уникальный стиль и образ. Я называю это «осознанной визуализацией», когда вы творец не только внутри, но и снаружи — и стремитесь это показать.

Уверенность

  • Любите то, что делаете. Ведь если вам пришла в голову идея что-то реализовать, значит, это кому-то нужно.
  • Адекватно относитесь к критике. Нужно брать все самое полезное и двигаться вперед.
Виктор Андреев. «Живопись в условиях рынка. Раскрутка художника» — Журнал Клаузура

Многое я приобрел в борьбе при попытках утвердиться на реальном художественном рынке, а не в тиши изо — студий, и художественных мастерских, поэтому решил изложить в этой статье опыт легальной художественной деятельности — почти два десятилетия. Также я работал на многих художественных сайтах, иногда криминальных и цитаты с сайта одной криминальной галереи, где я «обстреливал» свои исследования, мне кажутся наиболее характерными и свое изложение буду держать в русле обсуждений на этом сайте..
Многие художники не представляют правового и налогового пресса, что будет их сопровождать всю жизнь. Но выжить и раскрутиться возможно, если в начале карьеры правильно  выбрать направления усилий. Кстати, раскрутить возможно только успешного легального художника.

Свободный художник в России легально работает только как предприниматель. Специальность свободного художника в рамках «Общероссийского классификатора видов экономической деятельности ОК 029-2001 (ОКВЭД) (КДЕС Ред.1) (введен в действие постановлением Госстандарта РФ от 6 ноября 2001 г. N 454-ст)», — упомянута в:
» Разделе O Предоставление прочих коммунальных, социальных и персональных услуг», — под кодом:
«92.31.22 — Деятельность актеров, режиссеров, композиторов, художников, скульпторов и прочих представителей творческих профессий, выступающих на индивидуальной основе.
При регистрации в налоговом ведомстве, художнику присваивают ИНН в реестре индивидуальных предпринимателей. Ежеквартально художник передает в налоговые инспекции отчеты о своей предпринимательской деятельности и регулярно платит налоги.
Список налогов можно уточнить в налоговой инспекции. Можете поверить, что учитывая все, таким образом у художника при легальной продаже остается около 20% продажной цены.
Отмечу, что о раскрутке художника возможно говорить только при легальной реализации картин, иначе художнику придется иметь дело с налоговиками. А на практике художественной деятельности налоговый пресс влечет необходимость организации конвейерной технологии изготовления и реализации картин.
«Художественной общественностью» были предприняты попытки обеспечить себе преференции в условиях рынка: «…..почему до сих пор в РОССИИ не принят федеральный закон о «ТВОРЧЕСКИХ СОЮЗАХ»? ведь это-многое бы облегчило в нашем трудном проживании,особенно молодым художникам, реальные перспективы, а старикам-достойная пенсия с записью в трудовой-ХУДОЖНИК_ЖИВОПИСЕЦ.»
К сожалению, молодые художники не понимают, что никто им не мешает организовать ни творческий союз, ни галактическую академию Туманности Андромеды. Это только названия. Прочитайте Гражданский и Налоговый кодексы РФ. Там все есть. Но налоги не уменьшат.
Попытка принять федеральный закон о творческих работниках литературы и искусства была:
РОССИЙСКАЯ ФЕДЕРАЦИЯ ФЕДЕРАЛЬНЫЙ ЗАКОН О ТВОРЧЕСКИХ РАБОТНИКАХ ЛИТЕРАТУРЫ И ИСКУССТВА И ОБ ИХ ТВОРЧЕСКИХ СОЮЗАХ
Принят Государственной Думой 24 июня 1998 года
Одобрен Советом Федерации
9 июля 1998 года
Который был письмом В. Путина отклонен
ПИСЬМО Президента РФ от 03.01.2000 N Пр-22, ОБ ОТКЛОНЕНИИ ФЕДЕРАЛЬНОГО ЗАКОНА «О ТВОРЧЕСКИХ РАБОТНИКАХ ЛИТЕРАТУРЫ И ИСКУССТВА И ОБ ИХ ТВОРЧЕСКИХ СОЮЗАХ»
Это письмо показывает справедливость рассмотрения художественной деятельности как налогооблагаемой в общем порядке. Соответственно оценка состоятельности творческой деятельности определяется налоговиками. С другой стороны отклонение закона свидетельствует, что устойчивы представления о некоей особости деятельности художника, которые существовали у группы разработчиков и лоббистов этого закона.
Следовательно характеристиками реализованного художественного произведения прежде всего являются параметры бухгалтерского учета:
— цена реализации;
— сумма (процент) отчисления продавцу — посреднику;
— расход материалов;
— налоги;
— личный доход художника.
Есть только два варианта:
— художник обеспечивает себя и свою семью сам, за счет своего ремесла;
— художник оплачивает право называться художником, иначе его неудачную предпринимательскую деятельность ликвидируют налоговики.
В первую очередь обратимся к опыту более чем вековых попыток осмысления художественного производства, существующего в силу своей эффективности вне зависимости от ужасных мук его исследователей — искусствоведов. . Такое производство существует под искусствоведческим термином «производство китча (кича)». Я буду приводить цитаты выступлений с современных художественных интернет — форумов, в том числе и форума одной криминальной интернет — галереи, где легальному художнику нецелесообразно даже выставляться. Эта галерея не имеет ИНН, т.е. не имеет налоговой регистрации. И как — то весьма завуалирован порядок расчетов и отношения собственности на этапах экспонирования — продажи художественного изделия.
Про получение гонораров также сокрыто.
NS***va
«Китч — это торжество дешевых эффектов. И главный смак в том, чтобы этого не скрывать! Китч с наивностью и откровенностью примитива демонстрирует и тиражирует потребительскую мифологию, присущую обществу в данный конкретный момент.
Текст © Юлия Большакова»
v***nic
«Прерафаэлитов тоже когда-то обвиняли в излишней слащавости, а Моцарт так тот вообще считался попсовиком при жизни….»
Художник, на мой взгляд, к этому потоку подобных цитат сразу должен относиться как к «предпродажной подготовке» перекупщиком, обесценивающим его труд, труд художника. Он должен представлять, что в его отношения со зрителями и покупателями вмешивается некто и пытается регулировать ценообразование от продажи его картин.
В криминальной среде распространены очень эффективные технологии — тесты на поиск ущербных людей, их обмана, или настройки их на выгодное криминалу поведение… К таким криминальным темам — тестам относится непрофессиональный интерес к философии Гегеля, интерес определять китч — не китч, обсуждение гениальности черного квадрата. Другие тесты я говорить не буду, но они есть.
китч — выдумка искусствоведов, чтобы поднять себя над художниками и система обесценивания труда художника, делающего художника игрушкой перекупщика — мошенника и его холуя — искусствоведа. Вычеркни из приемов художника многое, что обозвано «производство китча», то останется искусствовед и мастер униженно дающий ему взятку, чтобы тот не обзывался китчем:
«В то время как китч, словно гном, ускользает от любой дефиниции, в том числе и исторической, одной из его неотъемлемых характеристик является фикция и тем самым нейтрализация не существующих реально чувств. китч пародирует катарсис. «, — Теодор В. Адорно. ЭСТЕТИЧЕСКАЯ ТЕОРИЯ.
Может и нет китча, если ускользает? А для меня также очевидно, что идет и торговая манипуляция с помощью экспертов — зазывал, которые хотят всучить покупателю товар с душком и убрать сильного самостоятельного конкурента-художника. Да и нужен ли катарсис всегда и везде? Художник должен иметь относительную свободу конструировать свой художественный мир. Любой преподаватель живописи все объяснит конкретнее . Просто искусствоведы — журналисты взялись учить и преподавателей как учить художников.
Существует стройная многоуровневая система обучения рисунку и живописи: школа, изо — студии, частные преподаватели, мастерские, академии. Вдруг появляется полуслепой дальтоник — журналист и начинает учить художников ремеслу, оценивая «китч – не китч», хотя ему сначала надо избавиться от недоразвития зрительного аппарата и собственного дальтонизма, свойственных нехудожникам, поработав лет 20 в живописи. И все серьезно поддакивают. Нет такого термина «китч» при обучении художника, значит термин не нужен.
Журналисты — искусствоведы, введшие это определение, как — то не догадывались, что это не определено и неопределимо и вообще не нужно.. Вышли из этого положения — начали сами обзывать китчем все, что попадало им под руку. А их коллеги поддержали — надо же о чем — то писать, раз деньги за это платят… Историю живописи не знают, технологию не знают, методику обучения не знают, художественный рынок не знают. Вот и создали несуществующую китч — культуру.
Фактически, разговор о китче — тест на незнание деталей процесса создания и продажи предметов искусства. Если художник не умеет создать мизансцену в многофигурной композиции, то он просто плохой художник, прогулявший учебные занятия. А если он всучил эту картину покупателю, то это скорее имеет отношение к торговле, а не искусству.
В китче отмечают общечеловеческие ценности и и упрощенные эталоны, типовые психические реакции. Но вся архитектура построена на эстетических стандартах действующих не менее 2000 лет. Искусство росписи соборов и их скульптурная отделка рассчитана также на широкий круг зрителей. Догадываетесь кто этими общечеловеческими стандартами занимался? Ага! Рафаэль с Микеланжело уже китчисты и попали в разряд творцов массового и даже подражательного искусства. И тем более весь Ренесанс.
Есть система религиозных и философских установок, приняв которую, человек ясно понимает свое место в мире и тем более в мире искусства. Но эта система противоположна миру, где оперируют совершенно произвольным и субъективным понятием «китч». У китча есть только одна характеристика — неправедный суд судьи — самозванца над художником. Мало самозванца, но судьи ущербного и в чувствах, и в помыслах, и не прошедшим длительного пути становления художника. Термин «китч» становится разбойничьей дубиной на пути искусства. Слепой учит рисовать, а глухой учит музыке.
На самом деле китч – разновидность профессионализма. Он востребован и имеет стоимость. Сделать не более чем нужно — это требует определенного мастерства. Более того, не было бы китча, то тогда невозможно без серьезного спонсирования подняться художнику. Тем более, централизованное спонсирование губит рыночные механизмы и ведет к застою.
Китч, фактически, в том числе и система удешевления производства работ и многие художники ее используют. Это некоторая система борьбы с крохоборством заказчиков, мошенничеством галеристов и система выживания на художественном рынке.
В действительности, потребители предпочитают сентиментальный китч грязной зауми платных провокаторов от искусства и их хозяев.
Теперь после искусствоведческих изысков сместимся прозаическому, к вопросу: как зарабатывать художнику только своим ремеслом?
Прежде всего отмечу, что каждый художник, желающий самостоятельно заработать своим ремеслом, сразу обнаруживает недостаточность своих практических и теоретических навыков. И приходит к необходимости:
— оценить потребности рынка; оценить свои технологические возможности;
— принять управляющие решения по самообучению таким образом, чтобы результаты учебы продавались как художественные произведения, финансируя дальнейшую учебу и просто проживание..
Заметьте: «оценить потребности рынка», — т.е. художественный рынок является обобщенным заказчиком, и художник должен настроиться на исполнение этих заказов. Оценить смысловые, символьные, технологические и др. параметры востребованных покупателем картин возможно, хотя и трудоемко. Эта оценка определяет жанры и содержание картин предлагаемых художником на арт -рынке и называется морфологическим анализом.
При реальном исследовании рынка стоит вопрос: «А возможно ли проводить морфологический анализ рынка?». Морфологическим анализом Луллия — Цвикки называется процесс выделения значимых параметров, все комбинации которых опишут характеристики востребуемых покупателем картин, т.е.: «какая должна быть картина?».
Не буду описывать систему таких параметров достаточно подробно — коммерческая тайна.
В интернете организованы виртуальные галереи, где торговцы «проводят смотр» художников и их картин. Но в подобных галереях художниками, как правило, решается лишь часть востребуемых рынком художественных и технических задач по каждому жанру и часто неизвестна востребованность картин этих галерей. Мое мнение — анализ надо проводить на предельно широкой базе востребованных покупателями картин, например на базе каталогов постеров копий картин мировой живописи.
Рассмотрим технологию морфологического анализа картин на примере натюрморта: в саду на столике стоит кремовая фарфоровая ваза, в которой ветки цветущей яблони.
Место развески картины, его освещенность, колорит стен и освещения — определяющие востребованность картины при выборе картины в галерее по предполагаемому месту развески дома или в офисе. По характеру интерьера галереи сразу можно сказать об уровне вложений, о характере требований галериста к отделке помещения, также многое характеризует место галереи. Например, в Москве большинство дорогих галерей расположены в пределах Садового кольца, некоторые на магистралях идущих к Кремлю среди гламурных магазинов. Некоторые галереи размещены в мебельных салонах или в сувенирных отделах универмагов среди постеров.
Размещение среди постеров самое- самое…, поскольку постеры производят по лучшим произведениям, имеющим спрос на мировом художественном рынке. Постеры, отпечатанные на бумаге или на холстах с лаковым покрытием под масляную живопись, ввозят в Россию, одевают в промышленные рамки. Цена постера до 300$. Это как раз диапазон гонораров начинающего художника, соответственно, художник должен понимать, что сразу придется конкурировать с мировым рыночным уровнем. Художник должен уметь формировать экспозицию. Например дома устраивать для себя выставку своих работ оформленных в рамки. Уметь отбраковывать картины не вписывающиеся в экспозиции. Целесообразно включать в эту экспозицию постеры картин других художников.
Обширен рынок копий, где молодые талантливые китайские художники (конкуренты) производят до полумиллиона дешевых копий в год маслом или акрилом на холстах. Эти копии также тиражируются в виде постеров.
Окраска, отделка стен и мебель предполагаемого места развески картины сразу определяет тип рамки и колорит картины, выбираемый обычным покупателем. Заметьте, не гениальность замысла картины, а именно единство колорита стен, дизайна мебели, рамки и картины.
Формат и качество рамки влияет на продвижение картины. Простые струганые доски в качестве подрамника и тем более рамки понижают класс художника. Более того рекомендуется применять шлицевые подрамники с клиньями. Последнее связано с борьбой с провисанием холста из-за колебаний влажности воздуха помещения из-за некачественной грунтовки. Впоследствии из-за провисаний холста и натяжек при колебании влажности воздуха и из-за неравномерности грунтовки и пятен квасцов будут образовываться кракелюры красочной поверхности, и возможно осыпание красочного слоя.
Традиционно на рынке много картин формата близкому к телевизионному экрану. Но часто востребованы узкие вертикальные или узкие горизонтальны картины , например, цветочные гирлянды.
Картины подбираются покупателем для конкретного помещения с мебелью. Рамка картины должна гармонировать с мебелью и у художника часто возникает проблема дорабатывать покупные рамки под определенный стиль. Поэтому определенная эрудиция в существующих интерьерах и навыки столяра — мебельщика обязательны для художника.
Существенна проблема крепления картины к рамке и система подвески.
Холст картины может натягиваться расклиниванием подрамника, поэтому картину крепят к рамке с зазором специальными скобами — накладками с помощью шурупов, а не гнутыми гвоздями. Для подвески картины необходимы грузовые винты, которые ввинчиваются или в рамку или в подрамник, а в кольца винтов продевается шнур. В этом случае идет страховка от падения картины при экспонировании. Иногда с задней стороны картины снизу в верхнюю планку подрамника вбиваются вертикально гвозди (есть и такой способ развески картин). Лучше все это делать художнику — меньше возвратов разбитой при падении картины покупателем.
То есть все начинается с …. места развески, формата натюрморта, типа рамки, крепления крепления рамки с подрамником, задника картины, способа подвески картины, способа натяжки холста, на подрамник, тип подрамника, качество задней и передней поверхности холста. Эти параметры картины оцениваются опытными покупателями в момент покупки. Эта группа параметров оценивает технологию ведения работ художником, оценивает его умение создать предпосылки долгой жизни картины и являются морфологическим параметром.
Покупателю при продаже картины художник обязан представить сертификат — паспорт картины. В сертификате должны быть перечислены материалы со ссылками на технические условия или ГОСТы или на производителей художественных материалов. Особенно требуются указания на
светостойкость красителей. Также должны быть указаны рекомендации по условиям экспонирования картины, ее обслуживания и реставрации.
И только после этого рассматриваются отличия собственно картины от достигнутого конкурентами — т.е. оценивается уникальность картины, Отмечу несколько парадоксальное, что уникальность определяется сочетанием морфологических параметров определяющих прежде всего качество исполнения картины, а не одним параметром, например, сюжетом картины. На рынке, как правило нет, картин высокого качества. Это прежде всего следствие и крайней трудоемкости пути художника к вершинам искусства, и необходимости организации конвейерного производства из-за налогового пресса.
Спасает художника нетребовательность большинства покупателей, но говорить о художественной ценности упрощенных изделий не приходится, сответственно раскрутка таких «достижений» сомнительна. Поэтому, степень упрощения художественных задач и технологий из-за конвейерной технологии производства — морфологический параметр.
Колористика картины, которая прежде всего различает: спектральные и неспектральные цвета, насыщенность цвета, прямой и дополнительный цвет и так называемую мягкость цвета. Если первое понятно, то мягкость цвета, это фактически ширина спектра отражения в рамках одного цвета. Мягкость цвета, в живописи колористических отношений, как раз и обеспечивает красоту и сложность колористической симфонии. Начинающему художнику умение работать мягкими насыщенными колоритами недоступно. Поэтому взгляд на интерьер галереи именно с этой точки зрения показывает, что владеет галерист этим восприятием или нет. При этом есть у него диплом о художественном образовании или нет — на степень тренированности его зрительного аппарата никак не влияет.
Естественно, выставляться среди художников пишущих только примитивными тюбиковыми цветами для художника — обесценивать свою работу. Серьезный покупатель будет игнорировать подобные галереи. Кстати, именно эту колористическую характеристику электронное фото передает слабо из-за физических принципов технологии фотографирования — воспроизведения.
Поэтому интернет — реклама картин всегда несколько ущербна в колористическом плане. Колористика галереи, ее дизайн и колористика экспозиции — важнейший морфологический параметр, определяющий вероятность покупки картины знатоком, готовым платить высокую цену.
Кстати, на вернисаже в Измайлово в Москве специалистов по цветочным натюрмортам называли «кувшинистами». Считается, что каждый такой «кувшинист» готов к производству натюрмортов еще в школьную пору. Только проблема — что производить и на каком уровне качества, чтобы купили и не возвратили через день — два.., одев на голову худо — художнику его картину (нравы там суровые).
Идея изображения классического цветочного натюрморта в вазе на пейзажном фоне имеет давнюю историю. Наиболее известны натюрморты Яна Ван Хейсума.
В нашем натюрморте пусть будет морфологический параметр: светлое на светлом фоне, который задает близкотональную живопись. Художественно выразительная близкотональная живопись достаточно редка на рынке.
Рассмотрим пространственную идею натюрморта . Фон деревьев должен быть выстроен пространственно и нежелательно его представлять в виде кулис. Необходимо различать в игре ритмов крон породу деревьев, какие деревья ближе или дальше. Должна чувствоваться объемная игра крон деревьев. Отмечу, что этой игры на фото обычно не чувствуется, но игра формы букета в вазе «требует» в качестве дополнения игры форм парковых структур. В Европе развито садоводство, и примитивный задний план натюрморта будет выделяться для зрителя привыкшего к садам и цветочным украшениям улиц. Т. е. развитые пространственно и колористически садовые структуры — морфологический параметр. У Яна ван Хейсума иногда присутствует садовая скульптура, но для оценки именно простейшего натюрморта морфологический параметр «садовая скульптура» не будем рассматривать.
Форма листвы и цветов. Прежде всего обратим на сложность форм листвы и лепестков цветов. В геометрии простые формы поверхностей вращения, а также шары эллипсоиды, гиперболоиды и параболоиды называются поверхностями второго порядка. При обучении рисунку через них объясняется методика построения изображения. И поскольку большинство художников неосознанно упрощает формы именно в рамках своей школы, надо сознательно обратить внимание на передачу форм именно поверхностей более высоких порядков чем второй для отрицания навыков школы..
Сложность формотворчества — морфологический параметр.
Обычно сразу выявляется примитивность обычных ваз. Поэтому необходимо для натюрморта доработать дизайн вазы и размещение веток в вазе.
На этом пространственное формотворчество не завершено. Осталась поверхность стола. Обычно художники дополнительно размещают на поверхности стола два — три предмета, которые вместе с вазой и букетом образуют некую пространственную структуру. Хотя есть примеры разработки более сложных постаментов для вазы или использование нескольких разновысоких ваз и разных форм букетов. И это также морфологический параметр.
В основе натюрморта лежит прежде всего абстрактные архитектурные и декоративные идеи оформленные в виде изображения предметного мира. Связь предметного мира натюрморта и архитектурных ордеров и их эстетизация понимались уже во времена античности.
Естественно, что построение пространственных форм на плоскости идет не только средствами геометрии, но и путем формирования зрительных иллюзий декоративно — графическими методами в том числе и колористическими. Факт осознанного использования подобного комплекса средств — морфологический параметр.
Есть еще один параметр — абстрактная графическая ритмика заложеннная в картину. Есть два уровня ритмизаци.
На первом уровне в гармонизирующую сетку вкомпоновывается абрис мизансцены. Гармонизирующие сетки широко используются в западной живописи и являются геометрическими звездами или фрагментами звезд, которые построены на засечках золотых сечений сторон рамки картины как на сторонах прямоугольника.
На втором уровне — ритмика мазков и мелких графических элементов картины.
Умение использовать этот ритмический декоративный узор для достижения художественных задач является морфологическим параметром.
Есть еще морфологический параметр скрытый от поверхностного взгляда на картины — техника живописи. Из обсуждаемого на художественных форумах выделим отношение к технике: “алла — прима”, — существенно убыстряющей создание картин.
У этой техники есть преимущества, но главный недостаток — колористический. Проигрывает многослойной живописи. Подчеркну. Техника алла — прима мне нравится, но без некоторых приемов многослойной живописи картина в экспозиции будет проигрывать.

Художники, прочитавшие вышеприведенный текст, уже начали испытывать скрытое раздражение, вспоминая слова преподавателей рисунка рисунка и живописи.
Да, слова преподавателей и есть словесный (вербальный) паспорт картины составленный из параметров морфологического анализа. По опыту, достаточно знания только курса рисунка и живописи, чтобы идти в коммерческую галерею и составлять паспорта картин на базе исследования морфологических параметров. А после такого похода полезно взглянуть на свои картины и определить их привлекательность для покупателя. Но почему такой сложный путь оценки своего места в живописи через морфологический анализ? Это связано с психологическим явлением, которое называется: «Защитная мотивация», когда неопытный художник уговаривает себя подсознательно, что его картина не хуже того, что рекламируется в СМИ. Но там существует особый торговый механизм. Торговцами выбирается весьма средний по уровню техники художник, рекламируется, а затем рынок заваливают несложными поделками его подмастерьев. В этот поток продаж новичка скорее всего не возьмут.
С другой стороны выпускник художественной школы или ВУЗа не может работать так интенсивно как требует налоговая система. При этом облагается налогом не труд художника, а реализованный товар. И до реализации надо дожить и художнику, и его семье.
О гонорарах. В каждом салоне, на каждом вернисаже своя публика и цены выбиты на мраморе и подведены черной краской, и за средний уровень, и за шедевры платят минимальную цену.
Цена картины выше затрат на нее только на художественном конвейере. А в одиночном производстве или случайном производстве затраты на создание картины дороже продажной цены.
Надо иметь представление о взгляде на картину покупателя, который шляется по салонам — прикупить что-нибудь в кухню или в гостиную. У него определенный размер кошелька и свое представление о ценах на картину. Вот на этот класс покупателей художник и должен рассчитывать, и с ним арт — изыски просто не нужны, даже вредны.
Сообщение от art***s
” Рынок современного искусства Мне, честно говоря, кажется, что нет в России никакого художественного рынка, а есть отдельные случаи покупки и продажи произведений современного искусства». Автор статьи: Макс ФРАЙ
Все не так. Надо прежде разделить художественные поиски в живописи и художественные поиски для зарабатывания денег живописью. Даже будучи неизвестным художником можно прилично зарабатывать, попав в волну покупательского спроса. А процитированный автор не представляет, что имеет на художественном рынке спрос. Да балалайки и матрешки пользуются определенным спросом у туристов. Но на живопись даже во времена гайдаровских реформ был также устойчивый спрос.
В 1988 -1991 гг. не было ни интернета, ни тем более графических компьютерных систем. А из литературы в магазинах завалы коммунистической пропаганды. И в это время и надо было решать задачу анализа худ. рынка и его перспектив. И, соответственно, скорректировать личную технику работы с маслом..
В легальной галерее, куда художник сдает картины на реализацию, существует фейс — контроль. Покупатель должен являться в неком прикиде:
« ….Прикид. Считается, что личный статус определяется маркой автомобиля, часов и именем портного. Джентльменский набор нового миллионера: “Мерседес”, “БМВ” или “Ауди” представительского класса в районе 100 тысяч евро. Часы ? “Вашерон и Константин”, “Патек Филипп”, “Фрэнк Мюллер”, “Ролекс” — от 5 тысяч долларов за самый простенький экземпляр до бесконечности. Модели за 50 тысяч долларов на руке миллионера распознает только профессионал: внешне они довольно скромные. Если так можно говорить о вещи ценой в московскую квартиру. Одеваются в самых известных мировых Домах — Армани, Зенья, Бриони, Каналли (не путать с Роберто Кавалли, в вещах от которого любит щеголять Филипп Киркоров) и т.д. Вопреки расхожему мнению, на заказ почти не шьют, и не потому, что экономят. На примерки в Милан не налетаешься! Поэтому на их фигуры представители западных Домов “сажают” готовые костюмы. Это плюс 10%-15% к стоимости выставленного в витрине, то есть от 2-2,5 тысячи евро. У отечественных модельеров практически не одеваются. ИА «Альянс Медиа» по материалам «Московский комсомолец»….».
Представьте, по вернисажу идет в таком прикиде бизнес — вумен (купчиха), придерживая на руках свою собачонку. За ней ее служка, в сопровождении охранника тащит ее кошелек размером с чемодан. Далее семенит арт- торговец. Купчиха показывает на картину и молвит: «нра». Справки об образовании не требует. Арт- торговцев она за людей не считает. Арт — торговец только упаковывает картину и несет к ее авто.
Это реалии 21 в. Времена худсоветов, цензуры и списывания бюджетных денег закончились. Попробуйте конкурировать в экспозиции с сотней другой художников. После нескольких неудач экспонирования своих картин перед такими покупателями, задумаетесь о реальном образовании и морфологическом анализе.
В нелегальной галерее у тамошних троллей это вызвало обычную ярость:
NS***va:
«Старая обезьяна! Мудук!”
Далее пошли длиннейшие копипасты — ссылки на имена раскрученных художников.
Вот при этом так проявилось раздражение художественного криминала. Разговор о недоступном для них прикиде и конкуренции им не нравится.
Форумшанину N**A из Великобритании кажется странным такие речи и бездействие модераторов на форуме криминальной галереи: «…не очень представляю….ни логики (хотя какая-то бандитская присуща, конечно), ни здравого смысла (не говоря уже о профессионализме и коммуникативных навыках) я здесь не наблюдаю… Так что здесь нужна особая система координат, хотя не думаю, что к ЭТОМУ возможно относится серьёзно. …».
Но особенность настоящей России такова, что художнику — бизнесмену приходится упреждать или нейтрализовывать постоянные бандитские наезды.. И утверждаю, что начинающий художник, не учитывая это, в лучшем случае потеряет имущество. В криминальных галереях часто наблюдается мошеннический блеф. Так одна торговка шубами изображала из себя галериста, и имитировала свою художественную эрудицию, беря интернет — уроки у старого художника на одном из интернет-форумов, и копипастив на других интернет-форумах пространные цитаты из популярной литературы по живописи.
В другом случае за копипастами стояла группа самодеятельных «реставраторов», разыскивающих антиквариат.
Рекламные публикации арт-торговцев, как — то не оттеняют основной закон капитализма — заплатить столько, меньше чего нельзя, т.е. вся цена картины уйдет арт — посредникам при перепродаже картины художника на вторичном рынке (после перепродажи).
Вот задайтесь вопросами. Я легальный художник, зарабатываю, не огромные деньги, но достаточные, чтобы быть в профессии. И читаю рассуждения галеристов или искусствоведов на темы:
— образован или нет;
— художника должен вести арт-торговец.
Без справки — не художник. Художник со справкой найдет деньги, заплатит арт-торговцу. Несколько лет у художника будут то удачи, то нет, а в целом барахтанье на месте. Но, ах, кажется, ошибся арт-менеджер, и лет через 10 скажет: “Раскрутка требует большего количества средств, картин и т.п…
А мы на рынке просто обмахивали картины экспозиции пачкой купюр и эти картины покупали. Попробуйте этот колдовской метод. Только деньги должны быть от продажи предыдущей картины этой экспозиции картин.
Считаю, что существует криминальная система заманивания новичков в рабы арт — торговцев, которые не могут и не хотят выгодно для художника продать его картину, не могут оценить ее достоинства, недостатки, направить. Создали бессмысленную трескотню вокруг раскрутки художника, не владея даже экономическими знаниями не говоря уже о художественных. Сильного художника, без его личного умения анализировать рынок, не будет — его обманут и разорят на подходе к вершинам. Как говорил великий Мао: «Надо опираться на собственные силы».
Следует отметить, что сильный художник не творческий субъект, а товаропроизводитель со специально перестроенной психологией и физиологией. Художник должен без рези в глазах и болей позвоночнике выдерживать 10 — 16 часовой рабочий день у мольберта на протяжении всей творческой жизни. Тогда он будет конкурентоспособен.
Морфологический анализ нужен художнику для сравнительной оценки собственной живописной технологии без сторонних наблюдателей — хронофагов в его мастерской. Многим неизвестно, что мы все говорим прозой, так и морфологический анализ, не подозревая, делается в разном объеме художниками — рыночниками. Важна только результативность анализа.
Вырастить сильного художника из обычного школяра крайне трудно. Например, обычный выпускник школы может непрерывно концентрировать внимание 20 -45 минут, а не две рабочие смены подряд. У неподготовленного художника происходит вход в транс, в бессознательную, в бессистемную мазню, где его навыки деградируют до детского уровня. Естественно в таком состоянии товарное производство недостижимо. Есть и другие барьеры. Но, думаю достаточно и перечисленного.

Скажу в заключении, что любое распространение изображений картин художника может повлечь пиратское копирование или, скорее, реконструкцию изображений. Более того, продажа картины может повлечь несанкционированное распространение ее принтов или фото в интернете. При этом существуют технологии реконструкции некоторых мини изображений в полиграфические файлы. Но есть трудно копируемые картины, выполненные в классической многослойной технике.
В этом плане необходимы меры обеспечивающие авторские права художника. Кроме использования услуг агенств по авторским правам, возможно посылать на свой адрес ценным письмом с описью вложения фото картин и буклеты. Конверты не вскрываются до оспаривания авторства в суде. Также возможно издательство журнала небольшим тиражом и регистрация его за рубежом. Журнал рассылается по библиотекам. Известно, что в некоторых случаях регистрация журнала производится бесплатно.
Советую для начинающих художников самостоятельно изучить рынок и попробовать работать без продаж в «плясовом темпе», производя в месяц 7 — 10 картин средних форматов, которые не забудьте писать на фабричных подрамниках с расклиниванием и оформите после написания в стильные рамки. Удовлетворите требования рынка, накопите приемлемую экспозицию за ограниченное время, тогда и начинайте самостоятельную деятельность в жестоком мире арт — рынка.. Цифра 7 — 10 вытекает из налогов, стоимости материалов, отчисления галереям и не включает затраты на художественные поиски. Для творцов — цифры много больше.
К сожалению, предполагаю у читателей этой статьи слабое знание геометрии, черчения, тригонометрии, начертательной геометрии — базовых знаний современных изо-технологий. Эти знания позволяют критически оценить предлагаемые рынком графические программные системы. Без освоения компьютерных технологий рядовому художнику не будет ни одного шанса подняться в современных условиях. И человеко — машинную технологию производства художественных изделий придется создавать самому и для себя — никто ее конкуренту не передаст. Эта рекомендация вводит художника в область повышения экономической эффективности художественного производства хотя бы за счет компьютерного эскизирования. Тем более выводит на обзор интернет публикаций о достижениях художественного рынка.

Как продвигать художникам свои работы в интернете?

Большинство художников хотят, чтобы их искусство нравилось людям, и если они хотят зарабатывать на этом деньги, то им нужно найти покупателей. В мире искусства часто бывает трудно произвести хорошее впечатление, но если вы не будете продвигать себя и свои работы, то не сможете найти свою аудиторию. Независимо от того, насколько вы талантливы, люди не собираются вас искать, если вы не попытаетесь привлечь потенциальных покупателей. Для многих художников это самая сложная задача, с которой они сталкиваются.

Вот несколько советов, которые помогут вам рекламировать свои работы в интернете.

При отсутствии интернета единственный способ рекламировать художественные работы, заключается в том, чтобы проводить выставки, продавать произведения искусства влиятельным людям и надеяться, что благодаря их рекомендациям ваш талант в конце концов будет замечен и признан. Благодаря интернету сделать это стало намного проще. Любой, кто имеет хоть каплю таланта, может продавать свои произведения в интернете. Правда это займет определенное время, так как потребуется обзавестись личным брендом, но первое, что нужно будет сделать, это создать портфолио со своими произведениями.

Создайте сайт.

Все художники нуждаются в портфолио. Ваше портфолио – это то, благодаря чему вы сможете убеждать галереи разместить ваши работы или сделать заказ на написание определенной картины, также оно поможет при поиске клиентов. Сайт – это идеальное место для размещения образцов своих работ, которые смогут увидеть тысячи пользователей интернета.

Сайт художника должен с первой же минуты говорить о том, что этот ресурс принадлежит творческому человеку поэтому если вы создаете сайт в WordPress, ищите темы, предназначенные для фотографов или визуальных художников, которые уделяют большое внимание изображениям, а не текстам. Загрузите изображения ваших работ в высоком разрешении и добавьте определенную информацию о каждой работе.

Не забудьте указать контактные данные и добавить социальные кнопки. Если людям нравится ваша работа, они захотят поделиться ими со своими друзьями.

Социальные сети.

Используйте социальные сети, чтобы продвигать свои работы, создавать новые связи и сообщать людям, когда у вас планируется выставка или другие мероприятия. Настройте страницу на Facebook для своих работ и создайте учетные записи в социальных сетях, таких как Tumblr, Instagram и Pinterest. Очень важно, чтобы вы регулярно публиковали свои работы, поскольку, чем активнее вы будете, тем больше людей будут видеть ваши работы, и, следовательно, делиться ими с другими пользователями.

Используйте социальные сети, такие как Живи творчеством — художники и иллюстраторы, для взаимодействия с другими художниками и организациями, связанными с искусством. Искусство – это бизнес, поэтому важно, чтобы вы стали активным участником мира искусства. Чем авторитетнее вы будете становиться, тем больше людей захочет с вами связаться, что бы что-то приобрести, либо сделать заказ.

Используйте электронную почту и социальные сети для взаимодействия с существующими клиентами. Отправляйте им регулярные обновления на свои последние работы. Возможно, они захотят купить вашу новую работу, либо посетить предстоящую выставку.



]]>
Как раскрутить художника — кейс продвижения сайта художницы современного искусства в Канаде и США от IKS Didgital

Как IKS DIGITAL раскручивает сайты художников

Вы создаете художественные шедевры живописи и хотите зарабатывать с помощью любимого дела? Мы знаем практический ответ на вопрос «как продвинуть художника»? Агентство IKS DIGITAL занимается маркетингом в сфере изобразительного искусства. Эта работа в портфолио — иллюстрация того, как мы продвинули картины современной канадской художницы.

Для продвижения художников, прежде всего, необходим красивый сайт. Поэтому мы начали со стильного редизайна сайта и внедрили адаптивную верстку под мобильные устройства. Для раскрутки творчества заказчицы мы осовременили галерею с работами художницы. Наведите курсор на картину и вы увидите ее название и технику исполнения, не заходя внутрь, на страницу работы. Асимметричное расположение блоков с живописью выглядит очень авангардно и привлекательно.

При редизайне главной страницы сайта сделали вывод галереи живописных работ с асимметричным расположением

Верстка сайта под мобильные устройства

Мы позаботились о всех типах аудитории художницы в интернете. Для владельцев мобильных устройств мы внедрили адаптивный дизайн. Без адаптивной верстки продвинуть картины художницы было бы затруднительно.

Главная страница сайта на мобильных устройствах

Как раскрутить художника при помощи блога

Для SEO продвижения сайта значительную роль играет блог. Одна из стратегий маркетинга в сфере искусства — активное статейное СЕО продвижение. Мы привлекли художницу к  написанию авторских, профессиональных статей и заметок в блог. Интересные и живые материалы о современном искусстве, описание процессов работы над картинами и творческие планы художницы — все это привлекает внимание как неискушенных зрителей, так и профессиональных галеристов и художественных критиков, тем самым создавая дополнительную рекламу.

Как продвигать свое творчество художнику? Используем стратегию статейного продвижения в блоге. Авторская статья художницы с описанием процесса создания картины “Grasshoppers”

Как раскрутить картины с помощью SEO

Качественные фотографии живописной работы, сделанные в среднем и крупном плане, позволяют увидеть детали и технику исполнения, а также оценить замысел сюжета и положительно влияют на продвижение творчества заказчицы. Авторское описание в полной мере раскрывает концепцию задуманного. Блок с похожими картинами позволяет посетителю сайта взглянуть на близкие по сюжету и жанру работы художницы, а также важен для SEO продвижения сайта.

Как продвинуть художника на арт-рынке? Используем современный дизайн сайта. Страница картины «Mirrorselfie» содержит яркие блоки перелинковки, необходимые для SEO продвижения художницы

Раскрутка художницы за счет оживления сайта галереей работ из Instagram

Блок с красочными и необычными фотографиями живописных работ в нестандартных ракурсах, взятые из профиля в Instagtam художницы, побуждают посетителя следить за её творчеством в популярной социальной сети.

Как раскрутить художника? Используем больше оригинальных элементов. Скриншот «карусели» с последними работами из Instagram художницы

Как продвинуть художника используя YouTube

Еще один способ раскрутить художника — создавать авторское художественное видео. Видео контент — отличный способ заявить миру о своем художественном таланте. Мы создали канал художницы на YoTube и наполнили его короткими и захватывающими видео анонсами новых картин. В кадрах роликов можно увидеть как художница создает свои будущие шедевры. Создание и оптимизация канала на YouTube позволяет занять еще одну строку выдачи Google в регионе USA и Canada по брендовому запросу «Maria Petroff» и продвинуть художника.

Для продвижения картин создали канал на YouTube. По запросу «Maria Petroff» получили дополнительное место в поиске по видеоконтенту

Как продвинуть свое творчество на международных арт-порталах

Профессиональные сообщества и социальные сети — замечательный канал для раскрутки художников. Мы выбрали крупные профессиональные международные арт-площадки, на которых зарегистрировали профиль художницы. Мы не только занялись наполнением аккаунта живописными работами, но и оптимизировали его, добавив расширенные теги, такие как «contemporary art», «political art» и «oil painting», а также описания, размеры работ и материалы. Мы внимательно следим за анонсами новых картин художницы и регулярно обновляем галереи работ для продвижения картин в интернете.

Продвижение бренда художницы с помощью SERM

Для продвижения бренда художницы мы провели SEO оптимизацию картинок на сайте по запросу «Maria Petroff». Для развития популярности бренда «Maria Petroff» мы оптимизировали и вывели в топ Google по региону USA и Canada страницу с информацией о биографии художницы.

оптимизация фотографий картин для раскрутки художникаоптимизация фотографий картин для раскрутки художника
Оптимизировали картинки на сайте и раскрутили художницу по брендовому запросу. Так выглядит вертикальная выдача Google в регионе USA с фотографиями работ художницы по запросу «Maria Petroff» в сервисе Google Images

оптимизация фотографий картин для раскрутки художникаоптимизация фотографий картин для раскрутки художника
Как раскрутить художницу? Использовали SEO и вывели в топ Google по региону USA и Canada страницу с информацией о биографии художницы

Искусство украшает нашу жизнь и делает ее ярче. Агентство IKS Digital осуществляет комплексное продвижение художников, выстраивая эффективные стратегии раскрутки художественного творчества в интернете. Обратившись к нам Вы получите известность личного бренда и постоянных клиентов.

Как размотать моток пряжи в клубок или торт

Большинство окрашенных вручную нитей выпускается в красивых мотках . Моток является типом пряжи, которая поставляется , скрученной в форме кренделя пряжи. Прежде чем вы сможете работать с хэнком, вам нужно сначала раскрутить . Этот процесс довольно прост, если вы знаете, что вам нужно сделать. В этом уроке я покажу вам шаг за шагом , как разматывать нитку пряжи и превращать в шар, без , требовать дорогих устройств , таких как зонт, быстрые зонтики и устройства для намотки пряжи.

How to unwind a hank of yarn tutorial - yarn hank into yarn ball

Почему люди покупают Хэнкс в первую очередь

Вы можете быть удивлены, зачем вам в первую очередь Хэнк. Они требуют больше работы, чем готовые версии тортов. Есть несколько интересных преимуществ :

  • мотков меньше, экономят место и удобнее для хранения
  • они экономят расходы на доставку
  • позволяет лучше видеть все цвета в мотке, поэтому вы не будете удивлены «загадочным цветом»
  • некоторые люди предпочитают, как выглядит Хэнкс, например, для съемки красивых фотографий Instagram
  • , сохраняющая вашу пряжу намотанной на шарики в течение длительного времени, может растянуть пряжу.Сохранение пряжи, намотанной в мотки, позволяет ей дышать более

Как размотать моток пряжи

Вот шаги, чтобы размотать моток пряжи. Пряжа на моих фотографиях — это аппликатура весом 100% SW мериносовых мотков от Kraeo. How to unwind a hank of yarn tutorial - kraeo yarn hank

1. Разверните рукоятку, взяв два конца и разделив их. Удалите все теги или метки.

How to unwind a hank of yarn tutorial - unwind a hank

2. Раскрутите пряжу и разложите.

How to unwind a hank of yarn tutorial - unwind a hank heart shape

3. Вы заметите, что хвостовик закреплен узлами.Разрежьте и удалите сучки. Если концы пряжи были связаны вместе, осторожно развяжите узел или обрежьте пряжу как можно ближе к узлу.

How to unwind a hank of yarn tutorial - cut the knots

4. Поставьте два стула спиной друг к другу. Оберните пряжу вокруг стула обратно.

How to unwind a hank of yarn tutorial - wind a ball

5. Сделайте шар, выбрав конец и намотав пряжу вокруг пальцев несколько раз. Продолжайте оборачивать пряжу, перемещая шарик, чтобы сделать его красивым и равномерным.

Продукты, облегчающие разматывание пряжи

Если вы регулярно работаете с Хэнксом, возможно, стоит проверить некоторые продукты, которые облегчат этот процесс .Два самых популярных продукта для размотки мотков и изготовления тортов:

Намоточная машина для торта пряжи от Knit Picks — $ 19,99
Этот маленький инструмент превращает пряжу в компактные кексы с вытягиванием по центру, которые приятно сидят, пока ты работаешь с ней. Я лично предпочитаю использовать пряжу для торта и могу порекомендовать ее.

Yarn Swift Umbrella от Knit Picks — $ 59.99
Свифт Umbrella удерживает ваши мотки на месте, когда вы их заводите. Хотя я смог выполнить работу, используя стулья, в следующий раз я собираюсь использовать swift зонтик , поскольку это сделает процесс более простым и быстрым.

How to unwind a hank of yarn tutorial - from hank to cake with yarn winder

вопросов?

Я надеюсь, что этот урок был полезен! Если у вас есть какие-либо вопросы, присоединяйтесь к моей группе в Facebook. Я создал эту группу, чтобы вы могли делиться фотографиями / прогрессом, задавать вопросы и помогать друг другу.

Да, и если вам интересно, что я сделал с пряжей на картинке: это мой новый платок To The Point (свободный рисунок)!

To The Point Shawl made with hand dyed Kreao yarn


Бесплатные схемы вязания крючком

Видео

Вильма

Привет! Я Вильма, 25-летний дизайнер по вязанию крючком из Голландии.Я особенно люблю делать одежду, шали, шапки, предметы для детей и дома / интерьера. Я делюсь всеми своими бесплатными узорами вязания крючком здесь, в моем блоге. Я хотел бы стать друзьями в социальных сетях!

,

Как раскрутить работу Segues

Разматывать сегменты, представленные в iOS 6, вызывают немало путаницы среди разработчиков. Даже если вы привыкли работать с раскадровками, вы, возможно, избежали раскручивания сегментов, потому что вы точно не знаете, что это такое и как они работают. Эта статья решает эту проблему. В этом уроке я расскажу о гайках и болтах раскручивающихся сегов.

Настройка проекта

Создайте новый проект XCode на основе шаблона приложения Single View Application и назовите его Unwinding .Установите Language на Swift и Устройства на iPhone

Choose the Single View Application Template

Configure the Project

Проект уже включает в себя подклассов UIViewController , ViewController . Для этого примера нам нужен еще один подкласс UIViewController . Создайте новый класс, выбрав Создать> Файл … в меню Файл Xcode. Выберите Cocoa Touch Class из раздела iOS> Источник и нажмите Далее .Назовите класс RootViewController и установите Подкласс: от до UIViewController . Установите Language на Swift и убедитесь, что Также не создан файл XIB .

Create the Root View Controller Class

Настройка раскадровки

Добавить навигационный контроллер

Вы, наверное, уже знаете, что сегы и раскадровки работают очень хорошо вместе. Разматывать сегу не отличаются. Прежде чем мы сможем добавить переход, нам нужна иерархия навигации для работы.Откройте Main.storyboad и выберите контроллер вида View Controller Scene . Откройте Identity Inspector справа и установите для Class значение RootViewController .

При выбранном контроллере вида выберите «Внедрить»> «Контроллер навигации» из меню Xcode Editor . Корневой контроллер представления теперь является корневым контроллером представления навигационного контроллера. Это то, что мы имеем до сих пор.

Embedding the Root View Controller In a Navigation Controller

Создание сегментов

Чтобы сделать раскадровку более интересной, перетащите два экземпляра UIViewController из библиотеки объектов в рабочую область.Выберите первый экземпляр UIViewController и установите Class в ViewController в Identity Inspector . Класс второго UIViewController должен остаться UIViewController .

Добавьте кнопку в корневой контроллер представления, отцентрируйте ее в представлении контроллера представления и установите для ее заголовка значение Показать . Чтобы перейти от корневого контроллера представления к экземпляру ViewController , нам нужно создать переход.Нажмите Control и перетащите от кнопки в корневом контроллере вида на контроллер вида, выбрав Показать из всплывающего меню. Это один из созданных переходов.

Добавьте две кнопки к экземпляру ViewController , Назад, и Вперед, . Создайте переход Show от кнопки Forward до экземпляра UIViewController . Кнопка Назад вызовет перемотку.

Наконец, добавьте кнопку Back в центр экземпляра UIViewController .Эта кнопка также запускает процесс раскрутки. Вот как должна выглядеть раскадровка.

Adding View Controllers

Вы можете запустить приложение в симуляторе, чтобы протестировать приложение. Добавленные нами кнопки Назад пока не работают, но помните, что на панели навигации также есть кнопка Назад .

размотать Segues

Немного фона

Прежде чем мы добавим раздел раскрутки в раскадровку, вам нужно немного больше узнать о переходах раскрутки.Несмотря на свое название, раскручивающиеся сегменты несколько отличаются от обычных сегментов. Например, сегменты раскрутки всегда переходят от исходного или текущего контроллера представления к существующему контроллеру представления, контроллеру представления, который уже присутствует в иерархии навигации.

Разматывать сегменты всегда переходят от исходного или текущего контроллера представления к существующему контроллеру представления, контроллеру представления, который уже присутствует в иерархии навигации.

Что делает раскручивание сегментов мощным, так это их способность раскручивать навигационную иерархию на один или несколько шагов.Это то, что мы исследуем чуть позже. Когда я впервые прочитал о раскручивающихся сегментах, я был немного скептичен. Я не мог найти вескую причину, чтобы использовать их. После использования их в нескольких проектах я стал ценить их мощь и гибкость.

Еще один интересный аспект раскручивания сегментов заключается в том, что они не определяют явно контроллер представления назначения. Программа раскрутки ищет свой контроллер представления назначения во время выполнения, обходя иерархию навигации. И это именно то, что делает раскручивание сегментов мощным.

Реализация

Создать раскрутить действие

Первый ингредиент, который нам нужен, — это , раскручивающий действие . Любой контроллер представления может определить действие размотки, если оно соответствует следующим требованиям:

  • Действие принимает один параметр типа UIStoryboardSegue
  • действие имеет префикс с атрибутом объявления @IBAction

Это все, что нужно сделать. Название действия не важно, но оно должно быть уникальным и описательным в контексте всего приложения.Почему это становится ясно через мгновение.

Откройте RootViewController.swift и определите следующее действие размотки. Как видите, реализация довольно проста. Действие по разворачиванию — это то, что помечает контроллер представления как потенциальный контроллер представления назначения для перехода к следующему этапу.

  @IBAction func unwindToRootViewController (segue: UIStoryboardSegue) {
    print («Развернуть в Root View Controller»)
}
  

Действие раскручивания — это то, что помечает контроллер представления как потенциальный контроллер представления назначения для перехода к циклу перемотки.

Create Unwind Segue

Чтобы создать раскрутку, нам нужно вернуться к Main.storyboard . Нажмите Control и перетащите от кнопки Назад экземпляра ViewController до значка Выход в верхней части сцены. Действие раскручивания, которое мы создали минуту назад, должно быть включено в всплывающее меню. Выберите действие для размотки, чтобы создать последовательность раскрутки

Create an Unwind Segue

Create an Unwind Segue

Последовательность раскрутки теперь должна появиться в наброске документа слева.

Create an Unwind Segue

Важно понимать, что действие раскрутки класса RootViewController появилось в меню действий раскрутки. В меню перечислены все действия по отмотке, определенные в проекте. Именно поэтому вам нужно дать раскручивающим действиям описательные имена.

Значок выхода символизирует точку выхода сцены контроллера вида. Для сцены контроллера представления можно создать несколько сегментов раскрутки. Каждый разматывавшийся переход может иметь отдельный контроллер представления назначения.

В Main.storyboard найдите экземпляр UIViewController . Нажмите Control и перетащите от кнопки Back до значка Exit вверху. Выберите то же действие по размотке из всплывающего меню.

Запустите приложение в симуляторе, чтобы проверить созданные нами раскручивающиеся сегменты. Как вы можете видеть, можно запустить одно и то же действие по размотке для нескольких сегментов раскручивания в разных сценах контроллера представления. На самом деле, это одна из сильных сторон раскручивающихся сегов.

Как работают раскручивающиеся сегы?

Поиск контроллера вида назначения

Когда пользователь нажимает кнопку Назад на каком-либо из контроллеров представления, созданный вами сценарий раскрутки проверяет иерархию навигации и ищет контроллер представления назначения для сегмента. Он просматривает иерархию навигации и спрашивает каждый контроллер представления, может ли он реагировать на действие раскручивания, которое мы связали с переходом раскрутки.

Контроллер представления назначения не установлен во время компиляции.Это очень важно понимать, и это ключевое отличие от регулярных переходов. Если в процессе перемотки не найден контроллер представления, который может отреагировать на действие раскрутки, процесс перемотки отменяется.

Размотка

Если контроллер представления назначения найден, запускается ряд событий. Контроллеру исходного представления предоставляется возможность подготовиться к развертыванию в своем методе prepareForSegue (_: sender :) . Затем, контроллер представления назначения уведомляется посредством вызова действия размотки.После того, как контроллеры исходного и конечного представлений получили возможность подготовиться к переходу, выполняется переход назад.

Передача данных

Можно передать данные из контроллера представления источника в контроллер представления назначения в prepareForSegue (_: sender :) и в действии размотки. Когда вызывается prepareForSegue (_: sender :) , контроллер представления назначения известен и доступен через свойство destinationViewController сеанса раскадровки.Контроллер представления назначения имеет доступ к контроллеру представления источника через сеанс раскадровки, который передается в качестве единственного аргумента действия разворачивания.

Хотя мне нравится гибкость регулярных и раскручивающихся сегментов, передача данных между контроллерами представления с использованием сегментов не должна быть чрезмерной, так как это может привести к слишком большой связи между контроллерами представления. Имейте это в виду.

Возможности

Хотя сегменты раскручивания являются мощным дополнением к раскадровкам, знайте, что сегменты раскручивания также могут запускаться в коде.Выберите раздел развертки экземпляра ViewController в раскадровке, откройте инспектор атрибутов справа и установите идентификатор перехода.

Configuring an Unwind Segue in Interface Builder

Чтобы запустить (развернуть) переход в коде, вызовите executeSegueWithIdentifier (_: sender :) , передав идентификатор сегмента и контроллер представления, инициирующий переход.

Что мне нравится в сегментах раскручивания, так это то, что вы можете создавать несколько сегментов раскручивания, которые раскручиваются в одном и том же контроллере представления назначения.Пример, который мы создали, иллюстрирует это. Кнопка Назад на обоих контроллерах представления запускает процесс отката, который разматывает иерархию навигации к корневому контроллеру представления.

Чтобы закончить этот урок, я хотел бы показать вам, что раскручивающиеся сегменты могут использоваться с любым типом иерархии навигации. Сложность не имеет значения. Откройте Main.storyboard , добавьте еще один экземпляр ViewController и вставьте его в контроллер навигации. Добавьте кнопку к контроллеру представления и заставьте ее запускать действие раскрутки корневого контроллера представления.Теперь вы знаете, как это сделать.

Добавьте элемент панели кнопок на панель навигации корневого контроллера представления и создайте переход от элемента панели панели к контроллеру навигации, контроллером представления которого вы только что добавили, является корневым контроллером представления. Убедитесь, что программа sege представляет контроллер представления модально, задав для параметра «Вид » значение «« Представить модально »в Инспекторе атрибутов .

Updating the Storyboard

Запустите приложение в симуляторе и коснитесь элемента панели кнопок на панели навигации, чтобы отобразить контроллер вида модально.Когда вы нажимаете кнопку «Отклонить» , запускается действие раскручивания и выполняется процесс раскручивания. Независимо от того, как выглядит иерархия навигации, процесс раскрутки достигает контроллера представления назначения без проблем.

Что дальше?

То, что мы рассмотрели в этом уроке, является наиболее распространенным сценарием для раскручивания сегментов. Но что произойдет, если несколько экземпляров класса контроллера представления с действием размотки являются частью иерархии навигации, и действие размотки инициируется? Разматывать сегменты могут справиться с этим, но это требует немного больше работы со стороны разработчика.Я буду обсуждать это в следующем уроке.

Вопросы? Оставьте их в комментариях ниже или обратитесь ко мне в Twitter. Вы можете скачать исходные файлы руководства с GitHub.

,

мгновений, чтобы размотаться Auctus177 на DeviantArt

Итак, у нас есть … Я … я не думаю, что мы вообще дали ей имя.

Поцарапайте это. Здесь у нас девушка расслабляется после некоторых упражнений. Она ужасно упряма, когда не показывает, как ее груди падают рядом с ее животом, никому другому, даже не знаю, не останавливаясь, несмотря на свою беременность, так что это довольно редкое зрелище. Обязательно ознакомьтесь с вариантом лактации, который включает несколько довольно диких ударов ногой.

Отдельное спасибо за ввод в эксплуатацию меня (и следующий)!

—————— Альтернативные углы ——————-

Sta.ш (LQ)
Google Диск (HQ)

—————- Визуализация информации и кредитов —————-
отрисовывается в 3Ds Max 2014 с VRay 3,4 @ 2240 × 1680
Девушка была экспортирована из Искусственной девушки 3, импортирована и изменена в 3ds Max
По заказу nitemare99

.Раскрутка стека

— Как разматывать UINavigationController в UIViewController?

Переполнение стека
  1. Товары
  2. Клиенты
  3. Случаи использования
  1. Переполнение стека Публичные вопросы и ответы
  2. Команды Частные вопросы и ответы для вашей команды
  3. предприятие Частные вопросы и ответы для вашего предприятия
  4. работы Программирование и связанные с ним технические возможности карьерного роста
  5. Талант Нанимать технический талант
.

Отправить ответ

avatar
  Подписаться  
Уведомление о